Tag: amalia di Lanno

06
Ott

Andreas Gursky

With an objective and precise eye, he captures the burning issues of modern life and global reality. The exhibition forms an arc between Gursky’s older, iconic works and his latest and most current visual inventions.

Curator: Udo Kittelmann

He is considered one of the most important contemporary artists: the Dusseldorf-based photographer Andreas Gursky (born in 1955 in Leipzig). With an objective and precise eye, he captures the burning issues of modern life and global reality. Each overall composition is a technical and visual masterpiece that has long inscribed itself on the collective visual memory of the art world.

In addition to his commitment to colour photography, Gursky’s typical forms of expression are to be found in digital processing and extremely large-scale formats. In the process, his works always bear visual testimony to his decades of travel around the globe. Hence, behind his pictures is an imaginary map that traces the artist’s travels. There is hardly another artist of our time so devoted to travel and it is becoming increasingly clear that Gursky has always had an eye on an exact depiction of the world, its construction and its condition. His images always reflect on both the inward and outward appearance of the world. The apparent beauty and perfection of his pictures is deceptive – it is not until after the first glance that it becomes obvious that they conceal the wealth of thought in the depicted. Gursky’s images seduce through that which is portrayed but at the same time, they insist that the viewer think about the reasons behind them.

From ancient sites through contemporary scenes and political debates to fictitiously arranged fantasy worlds: Andreas Gursky’s pictures also turn out to be subtle observations of the state of our globalised world. Cairo and the Cheops pyramids, Prada shops and Toys“R“Us, production facilities and garbage dumps, mass spectacles in the North Korean capital, Pyongyang, or at national church conferences, the subversive demonstration of power structures and global world orders, internationally active stock markets, museums as places of supposed reflection and comic heroes used to portray future worlds – all this belongs to the artist’s repertoire of visual compositions.

The exhibition in Museum Frieder Burda, which is being developed in close co-operation with the artist himself, allows the viewer to rediscover Gursky’s fascinating cosmos of images in a kind of overview. The strict “involvement” of these pictures, which serve our worldly concepts and imaginations, is put up for exploration and discussion. The exhibition, curated by Udo Kittelmann for the Museum Frieder Burda, forms an arc between Andreas Gursky’s older, iconic works and his latest and most current visual inventions. This presentation opens up a rich pictorial panorama to the visitor, which simultaneously provides a precise analysis of our complex reality and formulates great joy in the seeing and discovering of pictures.Continue Reading..

06
Ott

Olafur Eliasson. Reality machines

His works are in dialogue with ecology, architecture and urban spaces, but also with philosophy and science. The show present Eliasson’s unusually expansive artistic output, letting his installations fill both museum buildings.
Curator: Matilda Olof-Ors

On 3 October, 2015, Moderna Museet and ArkDes, the Center of Architecture and Design open their extensive exhibition on Olafur Eliasson, one of the most influential contemporary artists today. Although Eliasson’s work has been exhibited all over the world, this is the first time his oeuvre has been featured in a major museum presentation in Stockholm. Eliasson explores the spaces in which we dwell, with works ranging from unassuming sculptures to larger architectonic structures. Olafur Eliasson’s works are in dialogue with ecology, architecture and urban spaces, but also with philosophy and science. Thus, it is only natural for the neighbouring institutions Moderna Museet and ArkDes to present Eliasson’s unusually expansive artistic output, letting his installations fill both museum buildings.

“I strongly believe that it isn’t necessary to polarise the fields of art and architecture. Rather, it’s about trying to transgress the traditional boundaries to create a space of inclusion and hospitality, where differences of opinion are not only tolerated but encouraged. When you enter my exhibition, you do not step out of the city of Stockholm and into the protected world of art, but continue the processes of negotiation and co-production that characterise our shared reality.”
Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (born 1967, Iceland/Denmark) is based in Copenhagen and Berlin, where Studio Olafur Eliasson employs some 90 staff members. Eliasson’s practice encompasses sculpture, painting, photography, film, installations, architectural projects and site-specific works in public spaces.
The exhibition Olafur Eliasson: Verklighetsmaskiner/Reality machines spans his entire career so far, from the early 1990s to today. Perception is central to the art of Olafur Eliasson. The works draw our attention not only to what we see, but to how we see, or, in the artist’s own words: “seeing yourself seeing”.

“Olafur Eliasson shifts our focus from the art object itself to the actual experience of seeing. His installations are optical instruments that make us see the world around us in different ways. The works become machines that produce new realities,” says Matilda Olof-Ors, exhibition curator.Continue Reading..

06
Ott

Alice Schivardi. Ero figlia unica

ALICE SCHIVARDI
Ero figlia unica

a cura di Ludovico Pratesi e Paola Ugolini

Pesaro, Centro Arti Visive Pescheria

10 ottobre-29 novembre 2015

Il 10 ottobre 2015 alle ore 19 si inaugura presso il Centro Arti Visive Pescheria di Pesaro Ero figlia unica, la prima mostra personale in un’istituzione pubblica italiana dell’artista Alice Schivardi (Erba, 1976), in occasione della Giornata del Contemporaneo promossa da Amaci.

Curata da Ludovico Pratesi e Paola Ugolini, la mostra è dedicata all’indagine della delicata trama delle relazioni familiari che l’artista conduce da diversi anni.
Il progetto della Schivardi propone una riflessione sulla natura della famiglia nella società attuale, attraverso un confronto tra nuclei familiari diversi per etnia, ceto sociale e religione. Con ognuno di essi l’artista ha avviato un processo artistico e sociale per integrarsi non solo nella famiglia, ma anche nella sua visione del mondo e nel suo modo di vivere. Un’inclusione nel “mondo altro e dell’altrove” catturata in uno scatto fotografico. Alice, vestita e truccata secondo i codici culturali e sociali della famiglia che l’accoglie, si trasforma in una soggettività sociale emergente in bilico fra l’“Altro”, la famiglia e il suo “Io”.

Ogni famiglia è un mondo a sé fatto di tradizioni, modi di dire, dialetti e fedi in cui l’artista riesce ogni volta ad entrare nel suo tessuto relazionale in modo empatico.

La mostra, che occupa l’intero spazio espositivo della Pescheria, è pensata come una sorta di percorso all’interno del progetto appositamente concepito dall’artista. Sulla parete principale del Loggiato, una serie di disegni a ricamo che costruiscono una mappatura delle emozioni vissute dall’artista in occasione degli incontri che ha avuto con le diverse famiglie. Un’introduzione rarefatta e sensibile al cuore della mostra, allestito nell’ex chiesa del Suffragio. Qui Alice Schivardi presenta una quadreria contemporanea, composta da una ventina di ritratti fotografici incorniciati, differenti per dimensioni e formato, come a voler significare la diversità culturale delle famiglie fotografate.

Il punto di partenza della ricerca di Alice Schivardi è sempre la realtà e il materiale umano ovvero la sua storia personale, i suoi incontri, le sue relazioni, raccontati e interpretati attraverso diversi medium come fotografia, disegno a ricamo, installazioni, video e audio.
La pratica artistica di Alice Schivardi è un’evoluzione dell’Arte Relazionale, teorizzata da Nicolas Bourriaud, in quanto prende in esame non solo la storia e le storie delle persone che incontra ma cerca di costruire nuove relazioni interpersonali, o meglio offrire una piattaforma in cui queste interazioni umane, apparentemente lontane, possano avvenire.Continue Reading..

02
Ott

REBECCA HORN. The Vertebra Oracle in Napoli 2015

REBECCA HORN

The Vertebra Oracle in Napoli 2015
inaugurazione: sabato 10 ottobre ore 11,00

Lo Studio Trisorio inaugura la nuova stagione espositiva sabato 10 ottobre 2015, alle ore 11,00, con una personale di Rebecca Horn.

Artista fra le più versatili e creative del nostro tempo, Rebecca Horn utilizza diversi linguaggi: installazione, scultura, performance, pittura, film e poesia.
Nel corso degli ultimi quattro decenni il suo lavoro si è sviluppato unendo la riflessione su questioni metafisiche e un profondo desiderio di comprendere l’esistenza umana.

La sua ultima volta allo Studio Trisorio di Napoli è stata nel 2012 quando – dopo 10 anni esatti dall’installazione Spiriti di madreperla in Piazza del Plebiscito – è tornata a ripensare, con la mostra Capuzzelle, ai temi della rinascita, della reciprocità fra la dimensione della vita e quella della morte. Le “capuzzelle” (teschi in ghisa) hanno continuato ad accompagnare il suo lavoro per molti anni e in diversi musei, a Berlino, Nuova Delhi, Maribor, Mosca, fino alla recente mostra della Llotja a Palma di Maiorca.

Per la mostra di Napoli saranno presentate sculture e disegni legati alla poesia, come Vertebra Oracle for the future. Sarà in mostra anche la grande scultura Revelation of a Tree: rami in bronzo, attraverso estensioni meccaniche, convergono nel centro di energia dell’albero.

Rebecca Horn sarà presente all’inaugurazione.

La mostra si potrà visitare fino al 31 dicembre 2015 – PROROGATA al 16 gennaio 2016

Biografia
Rebecca Horn ha presentato le sue prime grandi performance a Documenta 5 di Kassel (1972), e da allora le sue opere sono state esposte in numerose mostre personali, presso importanti musei internazionali, come le grandi retrospettive al Guggenheim Museum di New York (1993), alla Tate Gallery Londra (1994), alla Nationalgalerie di Berlino (1994), al Martin-Gropius-Bau di Berlino (2006), presso il Museo d’Arte Contemporanea di Tokyo (2009) e il Centro Cultural Banco do Brasil a Rio de Janeiro e San Paolo (2010). Per il suo lavoro, Rebecca Horn ha ricevuto molti premi e riconoscimenti, tra i quali il Barnett e Annalee Newman Award (2004), il Praemium Imperiale, (Tokyo) e lo Hessischer Kulturpreis (entrambi 2010), la Grande Médaille des Arts Plastiques (Parigi 2011). Nel 2010 ha fondato la Fondazione Moontower.
Ha realizzato i film: Der Eintänzer (1978), La Ferdinanda – Sonate für eine Medici Villa (1981), Buster’s Bedroom (1990), Cutting Through the Past (1995), e Moon Mirror Journey (2012). Nel 2008 ha diretto e disegnato le scene e i costumi dell’opera Luci mie traditrici di Salvatore Sciarrino per il Festival di Salisburgo. In Italia sue installazioni sono in collezione permanente presso il museo MADRE di Napoli e presso il Castello di Rivoli.Continue Reading..

02
Ott

Riccardo Gusmaroli. Frequenze parallele

La Galleria Glauco Cavaciuti presenta “Frequenze parallele”, la nuova personale di Riccardo Gusmaroli.
In mostra circa 30 lavori inediti: tra questi, le nuove opere delle serie i Vortici caratterizzate da una miriade di piccole barchette di carta, che ben contraddistinguono l’opera dell’artista.
Presenti anche i nuovissimi lavori realizzati usando come inedito supporto le coperte termiche dorate utilizzate nel pronto soccorso di emergenza e un nuovo ciclo di Uova, caratterizzate da gusci traforati, manipolati e bucati e alcune opere dalle serie dei Vulcani.
Togliere, prelevare, incidere, ritagliare, aprire, fendere, bucare, piegare, sono pratiche ricorrenti nel lavoro di Gusmaroli, che, nella sua ricchezza di media, di tecniche e di oggetti, rimanda a una variegatissima costellazione di forme e di soluzioni.
Azioni diverse che tuttavia confluiscono nella medesima volontà dell’artista di rompere la corazza dell’oggetto per aprirlo al contagio del mondo esterno e della fantasia. Gusmaroli arriva così a bucare la pelle dell’opera, come nella serie delle Uova, in cui il guscio traforato e cesellato come un uncinetto o aperto da una finestrella, diventa un contenitore per la leggerezza della fantasia e la delicatezza della poesia.
Così accade anche per il ciclo di opere i Vulcani, in cui la carta di superficie è bucata per permettere allo sguardo di penetrare in profondità, richiamando quasi una eco della vertigine spazialista di Lucio Fontana, seppur depurata e ricondotta verso un esercizio quasi calligrafico del bucare e conseguentemente anche del gesto.

Centrale nella ricerca di Gusmaroli è l’attenzione verso le sue opere, un’attenzione che lo porta quasi a un corpo a corpo con i suoi lavori.
La serie delle coperte termiche dorate o argentate in materiale plastico, che sono oggetto dell’ultimo ciclo di lavori, sembrano infatti alludere proprio a questa stretta vicinanza che si stabilisce tra l’artista e l’opera. Lo stesso spettatore, avvicinandosi a questi quadri, che stimolano vista e tatto in egual misura, è portato ad aspirare un contatto quasi epidermico con questi lavori.

Un altro importante fil rouge che attraversa le opere di Gusmaroli è la rappresentazione del viaggio, tema centrale nelle opere dell’artista, che si amplia attraverso l’uso di nuovi materiali e inedite forme.Continue Reading..

01
Ott

Teresa Iaria. Changeables

La galleria PIOMONTI arte contemporanea è lieta di presentare la mostra “Changeables” di Teresa Iaria a cura di Laura Cherubini, che inaugurerà il 7 ottobre 2015 alle ore 18.

Il progetto espositivo è frutto di un lungo processo di riflessione, che trova inizio nella ricerca dell’artista intorno alla “Natura”, quale origine e complessità delle cose, analizzata sotto il profilo della sua continua dinamicità che include tutte le entità (tra cui l’essere umano) quali processi che indagano processi coinvolti in un unico movimento vitale.
A partire da questa visione si sviluppa il lavoro proposto in mostra, idealmente articolato in tre tappe: La riflessione sull’Olomovimento alla base di tutta la produzione dell’artista; l’evoluzione zoomorfa nelle tele prodotte durante la residenza all’Isola Comacina nell’estate 2015; la successiva sintesi espressa nelle opere realizzate per la mostra e segnate da una nuova impercettibilità e rarefazione.

La nuova produzione risente della dimensione solitaria dell’isola che costringe a una introspezione più forte e allo stesso tempo a un più stretto confronto con la realtà ambientale. E proprio la dimensione isolana, intesa anche in senso metaforico, viene proposta attraverso una nuova scultura, quale input relazionale tra le varie opere pittoriche. L’idea di localizzazione arricchisce la riflessione sui processi, espresso tradizionalmente dall’artista attraverso la rappresentazione della totalità concepita parcellizzando spazio e tempo con un fitto tessuto semantico di segni tensionali, frecce, che invitano lo sguardo dello spettatore a scorrere sulla tela in un continuum inclusivo.

Teresa Iaria, laureata in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Roma e in Filosofia all’Università “La Sapienza” di Roma con una Tesi in Estetica, è interessata all’intersezione dei linguaggi come centro delle potenzialità delle immagini che, nella sua ricerca, hanno accolto anche la musica e la fisica teorica. Suoi lavori sono stati pubblicati in varie riviste come “Nature Physics” e “Plastik art & science” univ-paris 1. Insegna Tecniche e Tecnologie della Pittura all’Accademia di Belle Arti Brera di Milano. E’ autrice di articoli in “Aesthetics in Present Future”, Lexington Books, 2013 e saggi, come il recente “Regole e Fughe. Analogie metafore e modelli nei processi creativi “Postmedia books 2014. Tra le mostre più recenti: Zoomorphic Code” a cura di Laura Cherubini, Residenza D’artista Isola Comacina, Como 2015; “Surface to Edge”, Cypress Collage Art Gallery, Los Angeles, CA 2015; “Teresa Iaria/Astrae Ari2e – Getulio Alviani/Galileo Intuitiva”, PIOMONTI arte contemporanea, Roma 2014; Flash Art Event (Solo show) 2013; “20 X Ettore Majorana” Palazzo Manganelli, Catania 2012.

Immagine: Teresa Iaria. Zoomorfic code, 2015, acrilico su tela, cm80x100

Teresa Iaria
Changeables
Catalogo con un testo di Laura Cherubini
dal 7 ottobre al 7 novembre 2015
Inaugurazione: 7 ottobre ore 18

PROROGATA al 24 novembre 2015
Info: permariemonti@gmail.com / tel. 06.68210744
www.piomonti.com
Lun: dalle 15 alle 20 / dal Mart. al Sab: dalle 11 alle 20

30
Set

Alex Webb. Where tomorrow is yesterday: Fotografie dall’India

Contrasto Galleria ospita la personale del noto autore e membro dell’agenzia Magnum. In mostra, una selezione di immagini a colori firmate da Alex Webb, realizzate in India e proposte nel Cluster delle spezie a Expo 2015.

La mostra è aperta dal 24 settembre al 21 novembre 2015

Immagine: Kochi, India, 2014

Biografia
Nato nel 1952 a San Francisco, California, Alex Webb si laurea a Harward in Storia e Letteratura e prosegue la sua formazione iscrivendosi al Carpenter Center for the Visual Arts. Nel 1974, a soli ventidue anni, inizia la sua carriera di fotoreporter professionista e nel 1976 è già un associato dell’agenzia fotografica Magnum. Comincia a pubblicare su importanti testate: Life, Geo, Stern e National Geographic realizzando lunghi e accurati reportage nel Sud degli Stati Uniti. Lavora nei Caraibi e in Messico e poi in America latina e Africa.

Contrasto Galleria
Milano, Via Ascanio Sforza, 29
tel 02 89075420
Martedì – Sabato 15 – 19, e su appuntamento
Chiuso domenica e lunedì
contrastogalleria@contrasto.it
www.contrastogalleria.com

 

30
Set

TURI SIMETI. Opere bianche

Turi Simeti Opere bianche
30 settembre 2015 – 19 dicembre 2015

La galleria Dep Art inaugura la nuova sede con una mostra dedicata a Turi Simeti. Dopo quasi 10 anni di attività, la galleria Dep Art apre un nuovo spazio espositivo per l’arte contemporanea italiana ed internazionale nel cuore di Milano con una mostra dedicata a Turi Simeti che per l’occasione presenterà una ventina di tele a rilievo bianche, realizzate fra i primissimi anni Sessanta e il 2015.

L’esposizione, curata da Federico Sardella, si configura come un omaggio ad uno degli artisti più rilevanti del panorama artistico non solo italiano, attivo da oltre 50 anni e contraddistintosi per la capacità di intraprendere una ricerca originale e coerente che vede la forma e l’equilibrio al centro della sua ricerca.

Turi Simeti, fin dagli esordi, si confronta e dialoga con il contesto artistico internazionale. All’indagine puramente bidimensionale, l’artista risponde con il perfezionamento del luogo della pittura che diviene tridimensionale, inizialmente con applicazioni sulla tela di elementi a rilievo e poi con l’estroflessione che segna il primo passo verso una sorta di pittura-oggetto, attraverso una ideale dialettica tra le spinte di una struttura interna e le forme volte all’esterno. In un contesto di una rigorosa aspirazione riduzionista, il suo linguaggio acquista ben presto una definita riconoscibilità, attraverso l’uso della monocromia e del rilievo come uniche procedure compositive. Figura emblematica e cifra iconica di questa ricerca è l’ellisse che per Simeti è il principio sul quale si struttura la sua arte e che lo ha accompagnato per tutta la sua carriera artistica.

La rassegna propone tele esclusivamente bianche di dimensioni differenti e di epoche diverse, con una particolare attenzione alla produzione più recente.

La mostra sarà accompagnata da una monografia bilingue italiano ed inglese di circa 120 pagine con testo critico di Federico Sardella, la riproduzione di tutte le opere esposte, una selezione delle più importanti opere dell’artista ed apparati inediti concepiti per l’occasione dal curatore della rassegna con la collaborazione dell’Archivio Turi Simeti.

Questa esposizione segna il passaggio della galleria Dep Art, fondata da Antonio Addamiano nel 2006, nella nuova sede di via Comelico – sempre a Milano – uno spazio di 260 mq distribuito su due livelli, strutturato per rispondere alle esigenze espositive degli importanti artisti rappresentati da Dep Art. La galleria prosegue così nella sua crescita: nel corso degli anni ha stretto infatti legami con le istituzioni pubbliche territoriali e internazionali, coinvolto personaggi di rilievo in ambito culturale e dato avvio all’archiviazione delle opere di Turi Simeti, del quale, con la cura di Antonio Addamiano e Federico Sardella, entro il 2016, sarà dato alle stampe il Catalogo Ragionato delle opere su tela.

 TURI SIMETI. Opere bianche
dal 30 settembre al 19 dicembre 2015

Galleria Dep Art
via Mario Giuriati, 9 Milano
mar-sab 15-19 o su appuntamento
ingresso libero

 

29
Set

Jonny Briggs. The reconstructed past

Appassionato di sculture-oggetto, Briggs le trasforma in protagoniste della sua storia all’interno di un diario personale di immagini.
a cura di Claudio Composti ed Emanuele Norsa

mc2gallery è orgogliosa di ospitare la mostra del fotografo inglese Jonny Briggs (Londra, 1985). Jonny Briggs, fotografo e artista concettuale, ripercorre con il suo lavoro il proprio passato, attraverso il quale ci restituisce una nitida immagine del difficile rapporto vissuto con la famiglia nel passaggio dall’adolescenza all’età adulta.

Appassionato di sculture-oggetto, Jonny le eleva a principali protagoniste della sua opera e tramite queste ci racconta la sua storia: l’infanzia tra i boschi del Berkshire, la famiglia con il suo fardello di affetti, apprensioni, conflitti, un padre autoritario, la madre tollerante, quattro sorelle maggiori a salvaguardare il piccolo Jonny che tuttavia non può imitarle; il tutto riletto attraverso qualche sforamento o sottili perversità in stile Gothic Novel. Un vero diario personale d’immagini che, attraverso un’autoanalisi continua, conduce lo spettatore in un viaggio coinvolgente, a volte perturbante, che avvicina la dimensione del reale a quella dell’irreale. Appare chiaro, fin dal primo sguardo, come il grande formato faccia risaltare al meglio le sue composizioni, create con una precisione quasi maniacale.

In questi set autobiografici tuttavia c’è sempre qualcosa fuori posto o che disturba queste così rigorose visioni, trasformando l’immagine in un teatro d’inquietudini, tensioni emotive e disagi, provocati dal soffocante ambiente della classe media britannica. Assistiamo quindi ad autoanalisi figurate, incentrate sul rapporto con i membri della propria famiglia e con il mondo che lo circonda. Spicca l’abilità di far riemergere sentimenti ormai metabolizzati, riproposti e filtrati attraverso il gusto per la finzione, che sembra celare la storia autobiografica dell’artista all’interno di una visione onirica che lascia presagire la testimonianza di un’esistenza che, in fondo, è vicina al trascorso di ciascuno di noi. Jonny Briggs, formatosi al Royal College of Art, è un artista pluripremiato, esponente della scuderia Saatchi, inserito nella prestigiosa Catlin Guide e ritenuto fra i talenti promettenti nell’Inghilterra post Damien Hirst.

Inaugurazione 29 settembre ore 18,00

Immgine: A Destruction Reconstructed, 2014 — Portrait of self as a child screwed-up and re-photographed on top of original photograph, 80 x 102cm, Photography: C-Type lambda print mounted and framed in dark brown

MC2 Gallery
via Malaga, 4. 20143 Milano
mar-ven 14.30-20, sab su appuntamento
ingresso libero

JONNY BRIGGS
dal 29 settembre al 29 ottobre 2015

28
Set

SGUARDO DI DONNA. Da Diane Arbus a Letizia Battaglia La passione e il coraggio

La Casa dei Tre Oci inaugura giovedì 10 settembre 2015 la mostra SGUARDO DI DONNA a cura di Francesca Alfano Miglietti. Lo spazio espositivo sull’isola della Giudecca, al centro del bacino di San Marco, ospita fino al 10 gennaio 2016 le fotografie di venticinque autrici, pensate e scelte per orientare lo sguardo e la mente verso un mondo che parla di diversità, responsabilità, compassione e giustizia.
Antonio Marras firma l’allestimento con una scenografia capace di trasportare il visitatore all’interno delle storie che si leggono sulle pareti: un’esperienza nell’esperienza, in cui anche l’allestimento diventa parte fondamentale della narrazione e crea la relazione tra gli spazi della Casa e le opere fotografiche.
SGUARDO DI DONNA è una mostra potente, che parla della cura delle relazioni, del rapporto con l’altro, dello sguardo sul mondo, a partire dal proprio senso di responsabilità. Un progetto ambizioso che rimarca come la fotografia negli ultimi decenni ha scelto di divenire una sorta di coscienza del mondo, facendosi testimone anche di quello che spesso viene occultato. L’essere che ama è per antonomasia la donna, capace del “dono totale dell’anima e del corpo” (Nietzsche, La gaia scienza), con una dedizione incondizionata. Ed è per questo che la curatrice ha scelto delle artiste, delle autrici che usano la fotografia come mezzo per esprimersi, tutte donne, di ogni parte del mondo, tutte sensibili a cogliere la stessa umanità, unicità, in-differenza delle infinite varietà dei soggetti ritratti, nell’intento di sottrarsi alla paura della diversità.

SGUARDO DI DONNA è anche un racconto a più voci delle molteplici forme del corpo – fisico, mitico, spirituale e glorioso – dalla duplice valenza: intima e universale, alla ricerca dell’esistenza, al di là del sistema anonimo della maschera.
Ogni opera diventa la provocazione di un dialogo profondo e intimo tra i soggetti delle foto e lo spettatore, raccontando uno scorcio indefinito della comune condizione umana, un “invito alla consapevolezza” dell’esistenza di mondi differenti e spesso estranei uno all’altro.
Francesca Alfano Miglietti ha scelto 25 autrici, 25 storie, 25 sguardi singolari sul mondo, sull’altro, sulla relazione, selezionando circa 250 lavori di Diane Arbus, Martina Bacigalupo, Yael Bartana, Letizia Battaglia, Margaret Bourke-White, Sophie Calle, Lisetta Carmi, Tacita Dean, Lucinda Devlin, Donna Ferrato, Giorgia Fiorio, Nan Goldin, Roni Horn, Zanele Muholi, Shirin Neshat, Yoko Ono, Catherine Opie, Bettina Rheims, Tracey Rose, Martha Rosler, Chiara Samugheo, Alessandra Sanguinetti, Sam Taylor-Johnson, Donata Wenders, Yelena Yemchuk. Le autrici con le loro opere e le loro immagini affrontano i temi profondi dell’esistenza umana, la vita, la morte, l’amore, il corpo mettendo in luce differenze, conflitti, sofferenze, relazioni, paure, mutazioni.Continue Reading..