Tag: amalia di Lanno

18
Feb

Giuseppe Penone. Matrice

Posted by / visionart, arte, installazione, scultura

“Trees appear as solid beings, but if we observe them through time, in their growth they become a fluid, malleable matter. A tree is a being that memorizes its own shape and this shape is necessary to its life. Therefore, it is a perfect sculptural structure, because it carries the necessity of existence.” – Giuseppe Penone

FENDI presents the first exhibition of contemporary art at Palazzo della Civiltà Italiana in Rome.

From January 26 until July 16, 2017, the Maison’s headquarters hosts a solo exhibition entitled Matrice by Italian artist Giuseppe Penone.

The exhibition takes place in the extraordinary first floor of Palazzo della Civiltà Italiana, which FENDI has restored and opened to the public for exhibitions and installations.

Matrice is a unique opportunity to admire a selection of historical works and new productions realized specifically for this occasion by Giuseppe Penone, one of the greatest living sculptors. The exhibition features 17 artworks that date from the 1970s to the present, including many that are rarely seen and will be shown in Italy for the first time.

The entire exhibition has been conceived in dialogue with the monumental architectural spaces of the Palazzo della Civiltà Italiana, presenting a collection of artworks that contrast the clear-cut geometry and the marble facets of this building.

The exhibition is named after one of Giuseppe Penone’s most spectacular works, Matrice (2015), a 30-meter-long sculpture in which the trunk of a fir tree has been carved out following one of its growth rings, thus bringing to the surface the past of the tree and its transformations in time. A bronze mold has been cast in the wood, apparently freezing nature’s flow of life. Like many of Penone’s artworks, Matrice reveals the artist’s interest in the relationship between time and nature and, metaphorically, between nature, humankind and transience. In addition, a new major sculpture in stainless steel and bronze, over 20 meters tall, Abete (Fir Tree, 2013), is installed in front of Palazzo della Civiltà Italiana, adding a new natural dimension to the abstract geometric architecture of the EUR area.Continue Reading..

14
Feb

Annette Messager. Messaggera

Posted by / arte, performance, installazione, fotografia

From February 10 to April 23, 2017  the French Academy in Rome – Villa Medici will host the first solo exhibition in Italy by Annette Messager, one of the most famous, innovative and non conformist French artists on the contemporary art scene.

Internationally speaking the exhibition is already looking like one of the big cultural events of the season. Titled Messaggera, the show combines the most remarkable works of a prestigious career with new ones specially created for the Villa. Taken together they testify to the eclecticism of an artist who makes nonchalant play with references both to art history and popular culture.

With Annette Messager, and at the instigation of director Muriel Mayette-Holtz, the French Academy in Rome – Villa Medici is initiating Une, its new series of contemporary art exhibitions, curated by Chiara Parisi: women artists internationally famed as contemporary icons will be presenting major shows with works for the most part not seen in Italy before. Each exposition will highlight the expressive force of the artist’s project and their vision.

Born in 1943 and laureate of the Golden Lion at the 2005 Venice Biennale, in 2016 Annette Messager received the prestigious Praemium Imperiale International Arts Award for sculpture. Not only sculpture, however, but also drawing, painting, photography, writing and embroidery, are the instruments she uses in her installations that are ironic reflections of her own experience.

“For me,” explains the artist, “transforming something is like playing. But playing seriously, the way children do. I consider myself an old child.” With these words she introduces us into a world founded on a balance between the familiar and the troubling, between dream and nightmare. A world of fabrics, colored pencils, doctored images, dolls, soft toys and stuffed animals.

At the Villa Medici Annette Messager offers an imaginative, dreamlike itinerary that sets up interaction between the interior and exterior spaces of the splendid Renaissance architecture. In an exploration of the revolts led by women, their fears and fantasies, the artist raises the issue of prejudice with a single intention: transforming taboos into totems. “When I started,” says Annette Messager, “the art world was almost exclusively male. Since then a lot more women have found their way in, but prejudices die hard. A woman artist triggers specific questions: I get asked about my private life, and if I have children. Women writers are more readily accepted, probably because they’ve inherited the tradition of keeping a diary.” With her highly personal way of interpreting our time, telling stories and creating disturbing ambiences, Messager challenges the social clichés about womanhood and plays her part in deconstructing stereotypes.Continue Reading..

10
Feb

Hans Op de Beeck. The Silent Castle

Posted by / arte, installazione, scultura

“I’m not interested in simulating reality, otherwise I would probably have gone into film, as a set designer. I would like to interpret the world by creating fictional settings where we can perceive the echo of reality.” –Hans Op de Beeck

The Belgian artist Hans Op de Beeck (born in Turnhout in 1969, lives in Brussels) works with almost all available artistic media. Be it for his sculptures or expansive installations, his large-format watercolours or videos and animated films, he avails masterfully of the staging strategies of theatre, film and architecture so as to create atmospherically dense, dream-like images that always seem familiar and yet alien.

In the very special atmosphere of the Baroque moated castle in Morsbroich, Op de Beeck is presenting a broad selection of his works of the past 12 years. He has created a series of open stages which the viewer can enter—partly on foot, but always in his mind—and be transported into a world where reality and fiction become superimposed and where time seems to stand still: The Silent Castle. Visitors encounter life-sized plaster figures, quite naturally, as if they were at home in the castle’s former living spaces. Like the visitors themselves, they stand on soft carpets, resting, lost in thought or daydreaming. The carpets cushion the footsteps and muffle the sounds. Their grey colour blends with the reduced palette of Op de Beeck’s sculptural still lifes. Here, life pauses for a moment, giving rise to an atmosphere of concentration, intimacy and contemplation.

Hans Op de Beeck creates places of silence, scenarios in which the viewer can immerse himself or which he can fill with associations and memories of his own. But these works also create a subtle tension. The piano is silent, the kiddie rides in front of the supermarket are stationary, water lilies conceal the uncanny depths of the black lake, and yet something surprising could happen at any moment, be it solely in our minds.

The video Staging Silence (2) (2013) visualises the transience of those moments full of poetry. Using all kinds of accessories, such as cotton wool or sugar cubes, and even more astonishing effects, the video shows us whole landscapes—that disappear just as quickly. By contrast, the animated film Night Time (2015) relies completely on the comforting hours of night when we become reconciled with ourselves again. The rooms presented in that film are abandoned like the empty sets of his installations. They overwhelm or enchant the viewer, house him, and ultimately confront him with himself.Continue Reading..

05
Feb

Luca Andreoni. Le mie notti sono più belle dei vostri giorni

Posted by / arte, fotografia

Dal 21 gennaio al 4 marzo 2017, in mostra alla MLZ Art Dep il lavoro inedito di Luca Andreoni Le mie notti sono più belle dei vostri giorni, un omaggio al cinema e alla fotografia.

Le mie notti sono più belle dei vostri giorni è un tributo all’amore, dalle sue forme più universali, come la passione per il cinema e la fotografia, alle sue forme più intime e personali, come le relazioni sentimentali tra esseri umani.

Realizzata all’interno della Cineteca di Bologna, dove sono conservati più di 70.000 film, la serie corre infatti lungo un doppio binario: mentre alcune immagini di grande formato restituiscono gli ambienti di questa cattedrale della memoria, le stampe di formato più piccolo, presentate singolarmente o composte in una grande installazione, costituiscono un attraversamento dell’archivio ad opera dall’artista che, prelevando attraverso la fotografia una selezione di titoli evocativi, ricostruisce la tipica struttura narrativa di una storia d’amore.

La mostra, curata da Francesca Lazzarini, è inserita nel calendario di eventi del Trieste Film Festival.

Luca Andreoni (1961) è uno dei più prolifici autori nel panorama della fotografia italiana contemporanea. Il suo precoce impegno nel campo artistico della fotografia di paesaggio, supportato da una ricerca scrupolosa quanto poetica, lo ha portato a intense espressioni di forti valori simbolici che caratterizzano il suo lavoro. La sua opera rigorosa è ben nota nel mondo della fotografia e dell’arte contemporanea e molte prestigiose istituzioni hanno richiesto la sua partecipazione a importanti mostre e pubblicazioni. Le sue fotografie sono state incluse in collezioni importanti, tra cui quelle di proprietà di Deutsche Bank, della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, di Fondazione Fotografia e altre.



All’attività artistica e professionale affianca da tempo una intensa attività d’insegnamento: dal 2013 è docente di Fotografia presso l’Accademia Carrara di Belle Arti di Bergamo.
Dal 2009 è Guest Professor presso il Master universitario in Photography and Visual Design presso NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, Milano.
Dal 1990 insegna presso la Scuola di Specializzazione in Storia dell’Arte dell’Università Cattolica di Milano, come docente del “Laboratorio di Fotografia applicata alle opere d’arte”.
Ha tenuto corsi di Fotografia presso Fondazione Fotografia, Modena, l’Accademia di Belle Arti di Bologna e presso l’Accademia di Belle Arti Aldo Galli di Como.
Ha inoltre insegnato in numerosi workshop, per istituzioni quali Fondazione Fotografia, Modena e Fondazione Forma per la Fotografia, Milano. Ha tenuto lectures pubbliche in istituzioni quali il Politecnico di Milano, l’Istituto Italiano di Cultura a Varsavia, Fondazione Fotografia a Modena, e in festival e fiere d’arte.
Dal 2008 al 2013 ha curato in Valle d’Aosta una residenza per giovani artisti rivolta a selezionati studenti di scuole d’arte e fotografia.

Luca Andreoni
Le mie notti sono più belle dei vostri giorni
a cura di Francesca Lazzarini
MLZ Art Dep
21 gennaio 2016 – 4 marzo 2017
Inaugurazione: 21 gennaio 2016, ore 17.30

31
Gen

Alfredo Pirri. RWD – FWD | Quello che avanza (That Which Advances)

Posted by / installazione, fotografia

In parallelo all’apertura della mostra di Alfredo Pirri, “RWD – FWD”, curata da Ilaria Gianni e ospitata negli spazi del suo studio/archivio romano, in viale dei Consoli 73, la sede di Nomas Foundation è stata utilizzata dall’artista come laboratorio in cui realizzare un nuovo lavoro, appositamente pensato per una delle sale della Fondazione, dal titolo “Quello che avanza”.

Il 25 gennaio, a partire dalle ore 19, l’opera sarà presentata al pubblico a viale Somalia 33 (Roma) in una serata speciale che vedrà la straordinaria partecipazione del musicista Daniele Roccato, il quale eseguirà una serie di brani al contrabbasso, accentuando l’esperienza immersiva del lavoro di Pirri.

“Quello che avanza”, prosecuzione della ricerca sulla luce e sul colore che connota da sempre il lavoro di Alfredo Pirri, è frutto di una ricerca sulla tecnica della cianotipia, che consente di realizzare stampe fotografiche off-camera di grandi dimensioni, caratterizzate da intense variazioni di blu.
L’opera è costituita da 144 stampe che offrono allo spettatore un ambiente avvolgente, dal grande impatto visivo ed emotivo. Di queste, 130 fogli testimoniano le fasi di lavorazione di un’opera e i residui da essa prodotti, mentre 14 sono il risultato di una procedura unica, che vede l’uso di piume appoggiate direttamente a impressionare i fogli preparati con sostanze chimiche ed esposti ai raggi UV. L’evocazione di forme vegetali che si può cogliere in alcune immagini, si collega all’opera della botanica Anna Atkins, pioniera dello studio della flora attraverso cianotipia e autrice del libro “Photographs of British Algae: Cyanotype Impressions”.

Il titolo “Quello che avanza”, scelto dall’artista, sembra riferirsi tanto a ciò che rimane, quanto a qualcosa che si fa avanti, riprendendo il concetto alla base di “RWD – FWD”: un viaggio all’interno dell’opera e del pensiero critico di Alfredo Pirri rivolto al passato, ma proiettato al contempo al futuro.

“Quello che avanza” sarà compresa, in forma rielaborata, nella mostra personale dedicata all’artista, che inaugurerà ad aprile presso il MACRO Testaccio, curata da Benedetta Carpi de Resmini e da Ludovico Pratesi, prosecuzione del progetto “I pesci non portano fucili”.

Tappa intermedia tra le due mostre sarà il convegno “Attraverso lo specchio” ospitato dal MAXXI, Sala Guido Reni, il prossimo 16 febbraio 2017 in cui si affronterà il rapporto tra arte e architettura, riflessione fondamentale del percorso creativo dell’artista.

*english below

Continue Reading..

30
Gen

KRM. Four hands

Posted by / disegno, arte, pittura

L’Esprit Du Mur (the spirit of the wall) is a concept and style of painting created by KRM, the French-German artist duo Chérif Zerdoumi and Geza Jager.
Their concept and style ESPRIT DU MUR is a rebel, urban art, based on human tragedy and the complexity of existence.
Their works reveal a portrait of city-life and freely express interior contradiction, suffering and joy. Their work is revolutionary, based on overlapping images, words and impulsive gests. Working with four hands on the same piece defines the duo’s working process and makes their confrontation authentic. The final result is an assembly of colour, emotions and different techniques. The work witnesses a contemporary actuality and treats social-political subjects and questions.
KRM and a running dog figure on each picture is their signum.

Sultan Gallery
South Subhan, Block 8, Street 105, Building #168 besides Sadeer.
Madinat al-Kuwait

25th January – 16th February; 10am – 4pm
(Closed on Fridays, Saturdays and Public Holidays)

Image: Fish, mixed media on wood, 122 x 125cm

report by amaliadilanno

28
Gen

Marina Abramović. The Cleaner

Posted by / arte, performance, fotografia, video arte

For more than four decades, Marina Abramović has worked with presence and her own body as her primary artistic media. This has made her one of the most widely acknowledged artists of our time. Her uncompromising self-exposure has evoked criticism and praise in equal measure. Now, Moderna Museet opens the exhibition The Cleaner – the artist’s first major retrospective in Europe.

The Cleaner was produced in close collaboration with Marina Abramović and features more than 120 works. It presents several of her best-known performances, including the Relation Works with German artist Ulay, her collaborator and partner from 1976-1988. These works take the form of live reperformances, films, installations and photographs from the 1970s to today. Moderna Museet is also delighted to show early paintings and works on paper from the 1960s and onwards, some of which are being exhibited for the first time. Also included are her relatively unknown audio works from the 1970s.

“Even in her earliest works, Marina Abramović expands the given boundaries, in terms of scale, medium, and the relationship to the audience. The responsibility shared by the artist and the participants for what the work can evolve into permeates her entire oeuvre”, says Lena Essling, curator of the exhibition.

Marina Abramović was born in Belgrade, Ex-Yugoslavia in 1946, to partisan parents, who met during WWII and were national heroes under Marshal Tito’s regime. Raised in her childhood primarily by her orthodox grandmother, religion and revolution impacted profoundly on her early life and continue to permeate her artistic practice. In Rhythm 5 (1974/2011) she sets fire to a communist star that can also be read as a pentagram when inverted. The video installation The Hero (2001) is a ritualistic elegy for her father. Abramović’s works seek the core of concepts such as loss, memory, being, pain, endurance and trust. Her work is a matter of life and death – questions about existence and art are brought to a head in ways that may both provoke and move us. Rarely has anyone explored the physical and mental pain thresholds as she does. In The Lovers (1988) Abramović and Ulay undertook a 90-day walk from opposite ends of the Great Wall of China. Their halfway meeting marked the end of their love affair and more than ten-year partnership.

“27 years ago, before her international breakthrough at the Venice Biennale, we had the honour of featuring Marina Abramović in an exhibition at Moderna Museet. We now take great pride in being the first museum in Europe to produce a retrospective exhibition of her work”, says Daniel Birnbaum, director of Moderna Museet.Continue Reading..

25
Gen

Minus.log Untitled (line)

Posted by / musica, visionart, arte, arte digitale, installazione, fotografia, pittura, scultura, video arte

Giovedì 9 febbraio alle ore 18.00 inaugura alla Galleria Bianconi Untitled (line) a cura di Martina Lolli, prima personale milanese di Minus.log, collettivo nato nel 2013 dal sodalizio fra l’artista visiva Manuela Cappucci e Giustino Di Gregorio, artista audiovisivo attivo fin dagli anni ’90. Attraverso la sperimentazione e l’unione di diversi media e linguaggi, Minus.log si propone di realizzare ogni opera come parte di un ambiente sinestetico che accoglie il visitatore in un dialogo fra pittura, scultura, musica, video e proiezioni.

“Untitled (line)” il titolo della mostra, incentrata sui lavori più recenti, dà conto di come sia possibile concepire la stessa come un’unica grande installazione in cui affluiscono le opere della serie Cure (2015), Try Again (2016) e Faraway so close (2017). La linea indicata nel titolo non è solo l’elegante elemento figurativo da cui si genera la produzione di Minus.log, ma fa riferimento anche all’ideale che la sottintende: la ricerca della semplicità formale e concettuale attraverso la riduzione ai minimi termini della rappresentazione e degli stimoli audio-visivi.

Nell’universo artistico di Minus.log il tempo rallenta e accoglie momenti di pausa e di latenza in cui la ricerca del senso si inabissa nel profondo dell’essenza del fruitore. In questa temporalità soggettiva l’espressione diviene silenzio e, nel ripiegamento interno dei sensi, il brusio lascia spazio al rimosso, a ciò che solitamente è detto fra parentesi. La linea come atto più semplice e raffinato della forma, dunque, non è portatrice di conoscenza analitica, ma è margine percettivo che ha bisogno di attesa per essere esperito.

Nelle installazioni della serie Cure la linea prende corpo e diviene una soglia empatica che il gioco di luce ci invita a penetrare. Essa è il taglio tradotto dalle sovrapposizioni della garza e dalle lame di luce che vibrano sulla superficie della tela di Cure 02 e sulle sculture  di Cure 01, lembi che aprono al paziente lavorio sotterraneo della rimarginazione e della cura di una ferita.

Le forme che affiorano lentamente in superficie negli oli su tela della serie Try Again sono  in bilico fra figurazione e astrazione. Tracce di un’assenza resa visibile da velature e trasparenze, traducono la linea nei tagli perfetti del digitale attraverso frammenti (Skyline), ripetizioni (Loop. Visione simultanea), interruzioni (A-line) e cut-up (Cloud); allenano lo sguardo a una visualizzazione più profonda che è fatta di tentativi e di stati d’animo  (People). Nell’installazione omonima le linee si manifestano come interferenze che solcano l’invisibile campitura della proiezione; il loro manifestarsi imprevedibile ci invita alla scoperta di una singolare sincronia e di uno scarto che questa volta è dato dalla presenza del colore.

In Faraway so close la linea è il profilo lontano e vicino di una reminiscenza che si riavvolge su se stessa: in un tempo infinito il ricordo è questione di prospettiva; nello spazio infinito, si declina in forme sospese. I paesaggi di Faraway so close sono immagini che derivano dall’atto di cancellare e rendere limpido e che, nel loro stesso procedimento, conservano le sfumature della memoria e la definizione formale di un obiettivo.

La ricerca di Minus.log mutua il fascino e la raffinatezza dell’estetica digitale attraverso l’uso della tecnologia sostenuta dal “calore” e dal “colore”  dei supporti analogici. Il suo rigore formale si declina nella poesia del caso e dell’errore di un sistema non totalmente controllabile – tanto analogico quanto umano – che porta a risultati inaspettati e sorprendenti. In questo gioco degli equilibri il fruitore ha una grande importanza poiché è invitato a riconquistare la propria temporalità e a ricercare in essa un senso, non necessariamente condivisibile all’unanime, ma che assuma il valore di un’esperienza singolare.

La mostra è visibile fino al 4 marzo 2017 alla Galleria Bianconi di Milano, via Lecco 20.Continue Reading..

25
Gen

Cesare Fabbri. The Flying Carpet

Posted by / arte, arte digitale, fotografia

After exhibiting established and prominent photographers, or artists, with a long career in photography behind them yet barely or not at all prominent in Belgium, we are now instigating a third approach by introducing the work of photographers to whom we are offering a first exhibition. 2017 is an anniversary year for the A Stichting Foundation and to start with our guest is Italian photographer Cesare Fabbri. The Flying Carpet exhibition brings together and presents three series of photographs by the artist. There is a literary quote and a specific framing colour, nero, bianco, grigio, for each of the three series.

« We learn alphabets and we cannot interpret trees. Oaks are novels, pines grammars, vines psalms, creepers proverbs, firs pleas, cypress accusations, rosemary a song, bay a prophecy ».
Erri De Luca, Tre Cavalli, 1999

The 21 photographs in the first series were all taken in 2009 by Cesare Fabbri in the Garfagnana forest, a huge area of beech trees located between the Apuan Alps in northern Tuscany and the Tuscan-Emilian Apennines. Each image in the Orlando series displays initials engraved on tree bark. Over time, the trees extend and the bark swells but the marks remain. This scarification marks a visit, now a scar on the body of the tree it blends with the shadow of the foliage projecting itself onto the tree trunks. This forest of emotions is reflected in the epic poem Orlando Furioso, a stunning kaleidoscope of fabulous adventures, written between 1505 and 1523 by Ludovico Ariosto (1474-1533) appointed governor to the province of Garfagnana by the Duke of Ferrara, Alphonso d’Este. The brother of the Duke of Ferrara, Cardinal Ippolito (I) d’Este, guardian of Ariosto, questioned the latter about his work: ‘Master Ludovico, where on earth did you find all this nonsense?’ In canto 23 out of the 46 comprising this canto, blending the tragic with the pleasurable and the lyrical with the romantic, the paladin Orlando takes leave of his senses after discovering the initials of his beloved Angelica and her lover Medoro, engraved on the bark. ‘Turning him round, he there on many a tree, Beheld engraved, upon the woody shore, What as the writing of his deity. (…) He would discredit in a thousand modes, That which he credits in his own despite’(Orlando Furioso, Canto 23).>

There is no respite for the fearsome knight Orlando who ends up uprooting the ancient trees with great fanfare. The 46 cantos are truly labyrinthine with events upsetting the status quo and where meaning and narrative become lost like in a dark forest where dreams lurk from tree to tree.

« Like parables and fables, carpets too only deal with what is real, thus touching geometries of the spirit, contemplative mathematics. It would therefore be reductive, to speak of symbolism when discussing carpets, parables and fables, since the obvious meaning and the hidden meaning are indissolubly tied together in the threads of the carpet and in the narratives, and that we may read (…) a message that is addressed to each of us alone and to no-one else ». Cristina Campo, Tappeto Volante, Gli Imperdonabili, 1987

The first image of the second series features on the front cover of the book with the same title as the exhibition, a contre-jour image of a sunny shop window covered by paper and concealed by a blind, whereas the book ends with an image of a fake cloud just passing. The Flying Carpet is a collection of photographic surprises, pre-existing, floating images, curious or funny objects and bizarre situations collected by the artist along paths and roads in Emilia-Romagna and Sardinia from 2005 to 2015. Not only is each image amazing in itself, but the sequencing also intensifies the impression of implausibility and strangeness. A selection of these images was published in 2010 by Platform in a small book called Un Mondo di carta (A World of Paper). Disturbing the world. The flying carpet is a strange drone, a means of symbolic and fantastic transport letting you circumnavigate the world and represent it. With his charming photos, almost satellite images, Cesare Fabbri seeks the appropriate geometry to describe the world, with a certain humour, gathering fragments, slithers and chips one after another.

« The smell of it is in the air: the sun. The smell of pure fire, deprived of any fuel pungency. And the smell of dry stone and heather. And snakeskin. Smells of Sardinia… »
Elio Vittorini, Sardegna come un’infanzia, 1932Continue Reading..

23
Gen

Condensa. Enrico Tealdi / Davies Zambotti / Ettore Pinelli

Posted by / arte, installazione, pittura

La Fusion Art Gallery presenta CONDENSA, mostra collettiva con Enrico Tealdi, Davies Zambotti, Ettore Pinelli. La mostra rientra nel circuito di NEsxT Independent Art Network e fa parte di COLLA la nuova piattaforma delle gallerie torinesi.

CONDENSA/CONDENSE

di Barbara Fragogna

Venuta meno l’influenza anestetizzante dell’abitudine, mi mettevo a pensare, a sentire cose infinitamente tristi. – Marcel Proust

L’acqua di condensazione si frammenta in particole a volte estese e a volte minuscole e diventa schermo/filtro/lente per osservare, traducendolo in senso, il circostante. La condensa agglutina/sintetizza/addensa l’umore dell’occhio come un vapore, una nebbia che sale dal sedimento substrato transitando l’immagine-ricordo dal passato al presente.­ Sembra che ci sia un velo effimero a separare la nitidezza del reale dalla nostra percezione conscia ma nel lavoro di Tealdi, Zambotti e Pinelli, nonostante la peculiarità dei rispettivi casi specifici, si tratta sempre di un velo integrato, atmosfera lattiginosa incisa sulla retina, aria polverosa di un esistenzialismo fuori moda ma onesto e per questo puntuale, un tessuto di garza logoro di esperienze.

In Enrico Tealdi la condensa s’intride di memoria umida, uno sguardo apparentemente lontano che cerca indistinte figure di bagnanti che sono pagliuzze d’oro setacciate in Batee di carta e pigmento e velatura e tempo… e tempo. Sembra di sentirla, la sabbia raspare sulla superficie diradando per scoprirne i preziosi ricordi, le persone perdute. E sembra di vederle apparire (ma non ci sono, sono chimere) dai campi da calcio solitari nei Nimbi, la poesia. C’è un silenzio profondo fatto di onde, vento, erba, mormorii, bisbigli e sussurri, c’è l’attesa e la stasi, c’è sospensione di movimento, c’è il pensiero, c’è la presenza fisica e pesante di tutto questo. I lavori sono distese sterminate addensate su piccolo formato, un nucleo precipitato che contiene il potenziale dell’esplosione del sentimento, ancora, la poesia esistenziale e malinconica, il delirio.

In Davies Zambotti la condensa è il fiato dalla bocca, sul vetro. Di oblò/sportelli/boccaporti, finestre sull’oltre. Il filtro è fotografico doppio o multiplo: occhio/lente/vetro/nebbia. Nelle sue Lande rincorre il fuoco fisso del movimento. La sfocatura e la dissolvenza, il paesaggio dirada e ritorna, dirada e ritorna, dirada e ritorna… un mantra, da dentro a fuori e viceversa. Il pensiero circolare, il loop compulsivo fugge ed evapora poi torna. La memoria è famigliare, i ritorni vengono sempre, sempre, sempre dal passato. Remoto. Condensa-densa come piombo. La pellicola è il suo viluppo e lo schermo non la protegge perché lo schermo è vacuo e osmotico. I paesaggi sfuggono, con uno sforzo istintivo cerchiamo di vederli nitidi ma non possiamo. Dopo un attimo ci abbandoniamo in essi lasciando che diventino lo spazio/interstizio, portale che, senza rendercene conto, apre un varco nel pensiero. Perdendosi nel privato.

In Ettore Pinelli la condensa è obnubilante. Un latte vischioso che sfuma nei toni pastello arancio-azzurro-grigio e che avvolge e confonde figure umane in azione. Nel ciclo di lavori su tela e su carta A Way To Stand Out infatti i soggetti tentano di “emergere”, in quanto sommersi e i livelli di lettura sono isobate. L’impianto della composizione è fuorviante e la metafora della marea che nel suo moto occulta e protegge descrive l’ambivalenza del messaggio latente. I toni soffusi, morbidi e sinuosi delle monocromie attirano lo sguardo inducendo i sensi ad abbandonarsi a uno stato di pace “estetica/estatica” mentre poi, a voler ben cercare/capire/scandagliare (ed è fondamentale che ci sia la volontà di fare o non fare questo sforzo) ci si ritrova a fare i conti col soggetto, sempre violento e aggressivo, specchio perturbante di un aspetto della società contemporanea con la quale l’artista ci vuole confrontare. La natura umana sub-conscia.

Enrico Tealdi, Davies Zambotti ed Ettore Pinelli ci istigano, attraverso la distorsione delle loro visioni condensate e intime, ad interpretare la realtà scavalcando “l’influenza anestetizzante dell’abitudine” proustiana per ritrovare “nel pensiero delle cose infinitamente tristi” un caleidoscopio complementare di interpretazioni/risoluzioni/intuizioni del e sul quotidiano. Una nota a margine da non sorvolare.

La mostra sarà inaugurata sabato 21 gennaio.

In collaborazione con Edizioni Inaudite.

Continue Reading..

Subscription

SUBSCRIBE TO NEWSLETTER!

Facebook

Instagram

Articoli recenti

The Mountain's Eyes, il progetto di Roberto Ghezzi in Nepal
The Mountain's Eyes, il progetto di Roberto Ghezzi in Nepal
WHITE FADES | Art, Science and Climate Change in the Polar Lands | I progetti in Artico di Roberto Ghezzi
WHITE FADES | Art, Science and Climate Change in the Polar Lands | I progetti in Artico di Roberto Ghezzi
LAMIE di Claudio Palma, una riflessione sulla fragilità ambientale
LAMIE di Claudio Palma, una riflessione sulla fragilità ambientale

  RECEIVE LATEST POST ON YOUR READER

Twitter

Error: Could not authenticate you.

Google Plus

Archivio post

CATEGORIE