Category: arte

05
Mag

GIUSEPPE PENONE: Spazio di luce

Posted by / arte, installazione, scultura

GIUSEPPE PENONE SPAZIO DI LUCE

MAY 2 – JUNE 6, 2015

…There is a place on the border between France and Italy, the Valley of Miracles (Valle delle Meraviglie), where there are circa 30,000 rock carvings around Mount Bego, a sacred mountain.

The miracle is not the carvings, but the beauty of the site with its valleys, its mountains, its larches, and the presence of the sea evoked by the smell of the grass.

It is a beauty that suggests a sense of sacredness.

It is a protected area, a natural park in which the vegetation and the territory are periodically maintained. I know woodsmen who work in the park under the supervision of forest rangers, and I go to them when I need larches. The altitude tapers the form of these larches. Large at the base, their trunk narrows rapidly, accentuating its conical shape. I used one of these trees for Space of light. I coated the trunk and the branches with a layer of wax, as if it were a year’s growth in the tree’s life cycle. When it came into contact with the trunk, the wax was imprinted with the pattern of the bark and the signs of the hands that applied it.

I cast it in bronze in eight sections of circa 170 centimeters, obtaining a covering with handprints on the external surface and the negative trace of the tree bark on the inside.

The surface on the inside was covered in gold. The eight sections of the sculpture are lined up horizontally one after another at a distance of about 50 centimeters.

Looking at the interior, one’s gaze follows the absent core of the tree and the light reflected off the gold emphasizes the space, a space of light that testifies to the absence of the tree, a being whose form and existence are defined by the search and the exposure to the light.

Space of light extends for twenty meters towards the line of the horizon, imprisons the light and the gaze in its interior, directing them towards the central focal point of the vista.

The gaze is closed into the interior of the bronze, a year of bronze…

—Giuseppe Penone, 22 Opere a Versailles, Château de Versailles, Paris, 2013

Giuseppe Penone was born in 1947 in Garessio, Italy. He lives and works in Paris and Turin. Public collections include Tate Gallery, London; Centre Georges Pompidou, Paris; Musée d´Art Moderne de la Ville de Paris; MAXXI, Rome; Castello di Rivoli, Turin; Stedelijk Museum, Amsterdam; Museum of Modern Art, New York; and Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Recent solo exhibitions include Centre Georges Pompidou, Paris (2004); Toyota Municipal Museum of Art, Toyota, Japan (2008); Ikon Gallery, Birmingham, United Kingdom (2009); Musée des Arts Contemporains, Grand-Hornu, Belgium (2011); Documenta 13, Kassel (2012); “The Bloomberg Commission: Giuseppe Penone,” Whitechapel Art Gallery, London (2012); “Penone Versailles,” Château de Versailles, France (2013); “Giuseppe Penone,” Kunstmuseum Winterthur, Switzerland (2013); “Ideas of Stone,” Madison Square Park, New York (2013–14); “Prospettiva Vegetale,” Forte di Belvedere—Boboli Gardens, Florence (2014); “Breath is a Sculpture,” Beirut Art Center, Beirut (2014); and “Giuseppe Penone,” Musée Grenoble, France (2014). Penone co-represented Italy in the 52nd Venice Biennale (2007) and was awarded the Praemium Imperiale by the Japan Art Association in 2014.

The Nasher Sculpture Center, Dallas will present a major solo exhibition of Penone’s work from September 19, 2015 to February 10, 2016.

For further inquiries please contact the gallery at +39.06.4208.6498 or at roma@gagosian.com. All images are subject to copyright. Gallery approval must be granted prior to reproduction.

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04
Mag

Henri Cartier-Bresson. Immagini e Parole

Posted by / arte, fotografia

Vigevano omaggia Cartier-Bresson,
una mostra per raccontare con Immagini e Parole
la grande fotografia d’autore
Dal 24 aprile al 5 luglio nella Seconda Scuderia del Castello Sforzesco di Vigevano

Vigevano, – “Henri Cartier-Bresson. Immagini e Parole”: un’occasione imperdibile per ammirare alcuni tra i capolavori più toccanti e realistici del famoso fotografo francese, considerato un pioniere del foto-giornalismo. Suoi sono alcuni dei reportage più famosi del secondo dopo guerra. La mostra, promossa dal Comune di Vigevano, sarà inaugurata il 24 aprile e resterà aperta fino al prossimo 5 luglio nella II Scuderia del Castello Sforzesco di Vigevano.
Basata su una suggestiva commistione tra immagini e parole, la mostra ospita 44 fotografie tra le più coinvolgenti dell’artista, accompagnate dal commento di molti autori importanti. Intellettuali, scrittori, critici, fotografi e amici dell’artista come Kundera, Baricco, Sciascia, Steinberg, Miller e molti altri hanno scelto e commentato le sue più belle immagini. Questa originale sperimentazione rappresenta uno dei punti di forza della mostra, poiché permette al visitatore di penetrare a fondo il pensiero del fotografo attraverso una selezione di suoi scatti unici: immagini del mondo che solo lui riusciva a cogliere e ad immortalare nell’attimo decisivo.
Il progetto è nato qualche anno fa, quando un gruppo di amici ha pensato di festeggiare il compleanno del maestro della fotografia in bianco e nero chiedendo a personaggi significativi del mondo della cultura e dell’arte di scegliere e chiosare ognuno, affettuosamente, la sua fotografia preferita tra le tante scattate da Bresson. L’esposizione è organizzata da Contrasto, Magnum Photos e Fondation Henri Cartier-Bresson.Continue Reading..

04
Mag

Kossuth 1981 – 2009. Mostra antologica

Posted by / arte, scultura

Nasce a Città delle Pieve lo Spazio Kossuth, in omaggio al maestro
Ad inaugurarlo sarà Vittorio Sgarbi

Rimesse del Palazzo Vescovile, Città della Pieve (Pg)
Inaugurazione sabato 30 maggio 2015, ore 18

Mostra antologica “Kossuth 1981 – 2009”
30 maggio – 30 ottobre 2015

Ricavato al piano terreno del Palazzo Vescovile, questo nuovo Spazio dedicato all’arte contemporanea sarà inaugurato con l’antologica “Kossuth 1981 – 2009”, visitabile dal 30 maggio al 30 ottobre 2015. A presiedere l’evento sarà il critico d’arte Vittorio Sgarbi, estimatore del maestro Kossuth

Dopo 30 anni di chiusura, le rimesse dello storico Palazzo Vescovile di Città della Pieve tornano in vita completamente restaurate e diventano sede del nuovo Spazio Kossuth.
Sabato 30 maggio 2015 sarà inaugurato al pubblico alle ore 18, nella principale via Vannucci, accanto all’oratorio che ospita il famoso affresco l’Adorazione dei Magi del Perugino, uno spazio dedicato all’arte contemporanea, omaggio al maestro Wolfgang Alexander Kossuth. A presiedere l’evento sarà il critico d’arte Vittorio Sgarbi, estimatore da sempre del maestro e che di lui ha scritto: “La scultura di Kossuth fa continuo riferimento all’astrazione della materia, in particolare della terracotta e del bronzo, alludendo alla purezza assoluta dell’idea che si fa forma. Tutta la scultura greca, romanica, rinascimentale puntava sul colore, sulla policromia. Il tempo in molti casi ha eliminato il colore, come nelle sculture antiche. Kossuth parte già senza colore, acromatico. Ciò presuppone una sintesi mentale e non si dà come conseguenza di un degrado, di una consunzione, ma come perfezione senza colore”.Continue Reading..

04
Mag

Mariana Vassileva. Balance

Posted by / arte, installazione

Many of the artist’s works reflect the two stages of her life related to living in two different countries, as well as to the acquisition of a foreign language and the adjustment to new cultural and social environment.

“Balance” is Mariana Vassileva’s first solo exhibition in Bulgaria. The artist has been living and working in Berlin for more than 20 years. This retrospective exhibition presents some of her most prominent works that have been specially selected for the space of the Sofia City Art Gallery.

Many of Mariana Vassileva’s art works reflect the two stages of her life related to living in two different countries, as well as to the acquisition of a foreign language and the adjustment to new cultural and social environment. The artist never severed her from her native country. This state of parallel existence provokesthe creation of unusual images and strong emotions. Childhood flashbacks come back to the artist’s new surroundings. Mariana’s rigorous observation of life is accompanied by a romantic nostalgia for the past, resulting in artworks full of poetic sensitivity. Her art not only mirrors her own experiences and inner conflicts, but is also tied to social & political issues, as well as to philosophical questions.
She uses common tools of expression in an inimitable way. Vassileva is a poet and a fighter at the same time. It is this idiosyncratic combination of the two clashing approaches that configures the final shape of her art.
Mariana Vassileva uses various means of expression to present her ideas. In this exhibition many sculptures, objects, installations, and videos, which were created over the past ten year, are being presented.Continue Reading..

04
Mag

Anna Maria Maiolino. Cioè

Posted by / arte, installazione

Traendo ispirazione dall’immaginario quotidiano femminile e dall’esperienza di una dittatura oppressiva e censoria, quella del Brasile negli anni ’70-’80, l’artista realizza opere che abbracciando differenti linguaggi e media, dalla performance alla scultura, dal video alla fotografia, al disegno.

—– english below

In occasione dei suoi vent’anni di attività, Raffaella Cortese è lieta di presentare Cioè, seconda personale dell’artista Anna Maria Maiolino, riconosciuta a livello internazionale come una delle figure più influenti dell’arte sudamericana oggi.

Traendo ispirazione dall’immaginario quotidiano femminile e dall’esperienza di una dittatura oppressiva e censoria – quella del Brasile negli anni ’70-’80 – Anna Maria Maiolino, italiana d’origine e brasiliana di adozione, realizza lungo il suo percorso opere ricche di energia vitale, abbracciando differenti linguaggi e media, dalla performance alla scultura, dal video alla fotografia, al disegno.

La mostra Cioè, presenta opere inedite recentemente realizzate dall’artista, che sceglie come titolo una congiunzione discorsiva per rappresentare il suo desiderio di incuriosire il pubblico senza esplicitare le proprie intenzioni. Solamente nell’esperienza diretta con l’opera e attraverso la diversità di un alfabeto di segni il pubblico troverà risposte e significati.

Secondo Maiolino nell’idea di scultura è insito il concetto di processo: l’artista è interessata a ciò che accade prima che il lavoro sia concluso e a una soluzione formale che sia testimone dell’azione creativa.

In mostra opere realizzate con diversi media. Alcune sculture della serie Cobrinhas in ceramica raku e della serie Entre o Dentro e o Fora riflettono sulla contrapposizione di pieno e vuoto, sull’assenza o presenza di materia: tutti temi cui alludono anche i titoli delle opere. I disegni sono realizzati con tecniche differenti: dalle Interações agli Hierárquicos, in cui l’inchiostro, mosso dalla forza di gravità e dalla casualità del movimento apportato dall’artista, scorre sulla carta e diviene agente trasformante della superficie; ai Filogenéticos realizzati a pennello, che ricordano degli organismi cellulari in continua metamorfosi; infine ai Pré-indefinidos e De Volta, che presentano un uso più tradizionale del vocabolario del disegno. Saranno infine in mostra un video di recente produzione João & Maria [Hansel and Gretel], 2009/2015 e un video storico degli anni ‘70 rieditato recentemente Um dia [One Day], 1976/2015. Continue Reading..

03
Mag

Martial Raysse

Posted by / arte

Martial Raysse
a cura di Caroline Bourgeois in collaborazione con l’artista

Contemporaneo è colui che tiene fisso lo sguardo nel suo tempo, per percepirne non le luci, ma il buio.” Giorgio Agamben

“Il ruolo sociale del pittore? Mostrare la bellezza del mondo per incitare gli uomini a proteggerlo, ed evitare che si dissolva.” Martial Raysse

“Si è detto, a proposito del mio cambio di rotta: ‘Martial torna alla pittura’. È falso. Ci arrivo appena. Di fronte c’è una pagina bianca, la situazione è esattamente la stessa che nel Medioevo. Non è cambiato nulla.” Martial Raysse

2015-1958 / 1958-20145: affrontare la storia a ritroso, non per riavvolgere il filo del tempo e tornare all’inizio, ma piuttosto per mettere a confronto epoche diverse: ecco l’intenzione della mostra che Palazzo Grassi-François Pinault Foundation dedica oggi a Martial Raysse.

L’obiettivo è quello di offrire allo stesso tempo alcune prospettive e una retrospettiva, avvicinandosi al lavoro di Martial Raysse non secondo una scansione cronologica, ma da un punto di vista contemporaneo – a partire cioè dalle sue opere più recenti. È nostra convinzione, in effetti, che i lavori a noi più vicini modifichino il modo in cui osserviamo i precedenti, assicurando una maggiore profondità dello sguardo e rilanciando la questione del ruolo della pittura e di quello dell’artista.
Come afferma acutamente Giorgio Agamben, “Appartiene veramente al suo tempo, è veramente contemporaneo colui che non coincide perfettamente con esso né si adegua alle sue pretese ed è perciò, in questo senso, inattuale; ma, proprio per questo, proprio attraverso questo scarto e questo anacronismo, egli è capace piú degli altri di percepire e afferrare il suo tempo”.

Martial Raysse fa parte di quel ristretto novero di artisti per i quali la vera posta in gioco è il confronto con la “grande” storia dell’arte, e questo fin dall’inizio del suo percorso. Tale confronto può avvenire attraverso la presa di distanza, lo humour o la riproduzione delle opere dei maestri, in virtù del principio enunciato da Eugenio Garin in base al quale “imitare […] è assumere coscienza di sé, […] ritrovare la propria natura”. È così che, nel corso di tutta la vita, Raysse compie il proprio apprendistato, rendendo visibili – sullo sfondo, per così dire – non soltanto la storia dell’arte e i capolavori del Rinascimento, ma anche la banalità del quotidiano, dall’estetica dei Monoprix al tedio delle piccole cose.Continue Reading..

03
Mag

Michelangelo Pistoletto. Terzo Paradiso – La mela reintegrata

Posted by / arte, installazione

Un pomo di circa 8 metri di altezza per 8 di diametro. Intorno ad essa su una superficie di oltre 1000 mq, il simbolo del ‘Terzo Paradiso’, realizzato con oltre 100 balle di paglia, riconfigurazione del segno matematico dell’infinito che per Pistoletto rappresenta la fusione tra il ‘paradiso naturale’ e il paradiso artificiale’.

Domenica 3 maggio, ore 11, in occasione della festa di inaugurazione di “Via Lattea”, l’opera verrà svelata alla cittadinanza alla presenza del Maestro Pistoletto accompagnata da una suggestiva performance

Dal 3 al 20 maggio 2015 Piazza Duomo a Milano cambierà volto grazie al “Terzo Paradiso – La mela reintegrata”, una nuova opera di Michelangelo Pistoletto dal potente impatto visivo ed emotivo, a cura di Cittadellarte – Fondazione Pistoletto e realizzata da un’idea e in collaborazione con il FAI – Fondo Ambiente Italiano, con il Patrocinio del Comune di Milano.

Una mela di straordinarie dimensioni, di circa otto metri di altezza per otto di diametro, costituita da una struttura metallica rivestita da un tappeto di erba naturale e con un “morso” sulla sommità, reintegrato grazie a una cucitura metallica, verrà costruita passo dopo passo nei giorni precedenti il 3 maggio. Intorno a essa e al centro della piazza, su una superficie di oltre 1000 mq, sarà realizzato con oltre 100 balle di paglia il simbolo del “Terzo Paradiso”, riconfigurazione del segno matematico dell’infinito che per Pistoletto rappresenta la fusione tra il “paradiso naturale” e il “paradiso artificiale”.

L’opera si sposa perfettamente con il progetto del FAI Via Lattea che, attraverso un fitto programma di itinerari lungo i sentieri del latte e della produzione agricola locale d’eccellenza, punta a connettere Milano con la sua campagna, l’uomo con la natura. “La mela reintegrata” – che nella concezione dell’artista è il frutto primordiale, l’emblema centrale della conciliazione tra natura e artificio nel Terzo Paradiso – dopo l’esposizione in Piazza Duomo, verrà poi donata da Cittadellarte – Fondazione Pistoletto alla città di Milano e sarà collocata definitivamente in Piazza Duca D’Aosta.

Così spiega Michelangelo Pistoletto: “Il simbolo della mela attraversa tutta la storia che abbiamo alle spalle, partendo dal morso, che rappresenta il distacco del genere umano dalla Natura e l’origine del mondo artificiale che si è sviluppato fino a raggiungere le dimensioni totalizzanti di oggi. La mela reintegrata rappresenta l’entrata in una nuova era nella quale mondo artificiale e mondo naturale si ricongiungono producendo un nuovo equilibrio planetario.”Continue Reading..

03
Mag

Anselmo – Laib – Spalletti

Posted by / arte, installazione

Tre grandi opere “site specific” di Giovanni Anselmo, Wolfgang Laib ed Ettore Spalletti occupano tutti i piani della galleria. Tra materiali organici, parole di colore ed energia luminosa.

Con tre grandi installazioni di Giovanni Anselmo, Wolfgang Laib e Ettore Spalletti, la Galleria Lia Rumma di Milano celebra l’inizio di EXPO Milano 2015.
I tre artisti sono stati invitati da Lia Rumma a realizzare progetti “site specific” che occuperanno tutti i piani della galleria milanese e verranno presentati al pubblico domenica 3 maggio 2015.

È dalla metà degli anni settanta che l’artista tedesco Wolfgang Laib crea installazioni di solenne semplicità ricomponendo in chiave estetica materiali organici che hanno in sé il seme della vita e la forza del nutrimento: latte, polline, cera d’api e riso. The Rice Meals for Another Body, presentata al piano terra dello spazio di Via Stilicone, condensa uno dei nodi principali della sua pratica artistica intensamente spirituale, l’idea che l’arte abbia una funzione salvifica che considera il corpo come un tutto inscindibile, tale da colmare ciò di cui la medicina tradizionale non si occupa più.

“Parole di colore. Ho dipinto le tavole una dopo l’altra. Il colore si muove dall’azzurro al grigio, tocca il blu, si accende nel rosso porpora e si ammorbidisce nel rosa, che riverbera sulla pelle gli umori. Ho immaginato il colore muoversi su un’unica parete che corre lontano”, una sorta di armonia “religiosa” pervade anche l’opera di Ettore Spalletti, presente al primo piano della galleria con il gruppo di tavole di grande formato dal titolo Parole di colore. In esse il colore, non più delimitato dalla cornice, steso secondo un esercizio compositivo lento, assume un’importanza decisiva e una sua dolce e inglobante spazialità.

Al secondo piano della galleria Giovanni Anselmo presenterà invece un progetto che mette in relazione due lavori storici: Oltremare mentre appare verso nord est. “Ho utilizzato questo colore come se fosse una materia, come un lembo o un punto di terra, come una bussola, più che come un colore in senso stretto. Il colore oltremare nell’antichità fu portato in Europa da lontano, da oltremare appunto… ed è per questa ragione che ha assunto questo nome. E’ una indicazione di un altrove che, intorno a noi, si trova in tutte le direzioni. Sulla Terra, infatti, qualunque direzione si scelga di percorrere, prima o poi comparirà sempre un oltremare. Collocare questo colore su una parete significa per me scegliere ed indicare quella direzione, verso l’oltremare sulla parete e verso l’oltremare nello spazio esterno…” e La luce mentre focalizza “…si tratta di un’energia luminosa, del continuo pulsare di una luce su un corpo che io voglio far notare, ma in maniera in qualche modo impalpabile”.Continue Reading..

02
Mag

Tomas Saraceno. 14 Billions (Working Title)

Posted by / arte, installazione

14 Billions (Working Title) is one of several works the artist has made using the spiderweb as a starting point. His fascination with the spiderweb and how astrophysicists use it to explain the origin and structure of the universe was the impetus for the installation.

Tomás Saraceno is both an architect and an artist. He is noted for making utopian installations that combine science, art and architecture. Saraceno is interested in how scientific inventions can lead to a more sustainable society, and he allows art to have a central role in visualizing and testing out different visions of the future.

14 Billions (Working Title) (2010) is an enormous model of the web of a black widow – a poisonous spider. The public are invited to walk around and through this installation, which consists of 8,000 black elastic bands stretching from floor to ceiling and held together with 23,000 individual knots.

Saraceno was initially curious about how scientists use the spider web as a metaphor to describe the universe’s origin and structure. To make the work, he collaborated for two years with arachnologists, strophysicists, architects and engineers. The project’s research material is also on show.

This installation is one of several of Saraceno’s works dealing with spider webs and their relation to architecture and cosmology – the web’s social and symbolic value is also elucidated.

Tomás Saraceno was born in Argentina in 1973 and lives and works in Frankfurt, Germany. Sørlandets Kunstmuseum is grateful to Bonniers Konsthall for loaning the work and for assistance in planning the exhibition project.

Image: Tomás Saraceno, 14 Billions (Working Title), 2010. Elastic black rope, hooks, 8,330 x 7,630 x 5,000 mm. Courtesy of Bonniers Konsthall, Stockholm, Sweden.

Press Contact:
Karl Olav Segrov Mortensen, +4738074917 e-mail: karl.olav@skmu.no

Opening: 30 April, 7–8pm

SKMU Sørlandets Kunstmuseum
Skippergata 24B
Kristiansand
Norway
Hours: Tuesday–Saturday 11am–4pm,
Thursday 11am–8pm, Sunday noon–4pm

Tomas Saraceno
dal 30 aprile al 23 agosto 2015

02
Mag

Mitoraj Mito e Musica

Posted by / arte, scultura

Mitoraj Mito e Musica
Pietrasanta, piazza del Duomo e Complesso di Sant’Agostino

18 aprile | 30 agosto 2015

Pietrasanta (LU), 2 aprile 2015_La città di Pietrasanta dedica una grande mostra a Igor Mitoraj, il celebre scultore recentemente scomparso. L’iniziativa, a suo tempo proposta all’artista dal sindaco Domenico Lombardi, intende celebrare l’intenso legame che, nel corso degli ultimi trent’anni, si è stabilito fra il Maestro e la città, della quale dal 2001 era cittadino onorario.
Dal 18 aprile al 30 agosto la piazza del Duomo, il complesso di Sant’Agostino e piazza Matteotti saranno gli scenari nei quali l’evento, nelle sue molteplici forme, si svolgerà.
Nella piazza del Duomo saranno installate opere monumentali in bronzo, alle quali si affiancheranno, per la prima volta, due gigantesche opere in argilla, matrici originali di successive fusioni. Le opere in bronzo vivranno in autonomo rapporto con le architetture della piazza, mentre per l’installazione delle grandi opere in argilla, in accordo con quanto stabilito dall’artista, sarà realizzata una vera e propria “scena teatrale”. Le opere saranno inserite in una sorta di “giardino incantato”, realizzato e curato da Gruppo Giardini e da Vannucci Piante, coinvolti nell’evento dalla Fondazione Carlo Linneo di Pistoia.
Il lento degrado dell’argilla, esposta all’irreversibile azione del Tempo, trasformerà la mostra in un “evento in divenire”, una sorta di rito collettivo del quale i visitatori saranno testimoni. Nell’esporre volontariamente opere destinate a sicuro deterioramento, Mitoraj propone una profonda riflessione sull’interazione fra il Tempo e la Materia e, per estensione, fra il Tempo e tutto ciò che inerisce l’esistenza umana. Un modo affascinante e senza dubbio originale di affrontare l’eterno tema della Decadenza.Continue Reading..

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