Category: arte

28
Giu

FISAD 2015 – Primo Festival Internazionale delle Scuole d’Arte e Design

Posted by / disegno, arte, grafica, performance, arte digitale, installazione, fotografia, pittura, scultura, video arte

L’Accademia Albertina di Belle Arti
in partnership con la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo
presenta

Il senso del corpo
FISAD 2015 – Primo Festival Internazionale delle Scuole d’Arte e Design
Torino, 1 – 26 luglio 2015

Prima edizione del Festival Internazionale delle Scuole d’Arte e di Design – FISAD 2015, che offre un panorama unico sullo stato dell’arte giovane e quindi sul suo futuro, in Italia e nel mondo. Il tema del festival è “Il senso del corpo”.

“The sense of the body”: questo è il tema scelto per la prima edizione del Festival Internazionale delle scuole d’arte e di design.
Nell’anno in cui Torino è la Capitale Europea dello Sport il tema disegna un ponte tra il progetto sportivo della Città e le attività che si svolgono in una scuola d’arte.

Saranno tre le grandi mostre dedicate al rapporto tra arte, corpo, sport:

La prima, che trae il titolo proprio dal tema del Festiva, “Il senso del corpo – The sense of the body” si svolgerà durante tutto il mese di luglio nell’Accademia e nella Pinacoteca Albertina. Alcune sezioni dell’esposizione saranno collocate nella Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, nel Museo Ettore Fico, nel foyer dell’Auditorium RAI: circa 320 opere di altrettanti giovani artisti provenienti dalle scuole partecipanti.

La seconda intitolata: “Elogio della mano – Disegni anatomici dall’Accademia di San Pietroburgo” verrà ospitata nella Pinacoteca Albertina ad agosto. L’esposizione raccoglierà i capolavori degli studenti dell’Accademia di San Pietroburgo dedicati al tema del corpo e del movimento, realizzate con le tecniche della grande tradizione classica che trova in quell’Accademia la sede ideale.

“DE ARTE GYMNASTICA – Esercizio fisico e gioco nella rappresentazione artistica” questo il titolo della terza esposizione. Verrà inaugurata il 9 settembre e sarà visitabile sino al 15 novembre.Continue Reading..

27
Giu

Giovanni Presutti. Hello Dolly!

Posted by / arte, fotografia

Giovanni Presutti
Hello Dolly!
18 giugno – 31 luglio 2015 – POSTCIPATA fino al 30 settembre 2015
Inaugurazione (alla presenza dell’artista): giovedì 18 giugno 2015, ore 19.00 – 22.00
Carlo Gallerati è lieto di presentare Hello Dolly! , una mostra personale di Giovanni Presutti a cura di Noemi Pittaluga.

“Per parlare del progetto Hello Dolly! di Giovanni Presutti è essenziale sottolineare la pluralità di segni iconografici presenti nella serie di immagini. La molteplicità di elementi intertestuali proposta connette fotografie di grandi magazzini, fast food, periferie, note catene alberghiere a una precisa e sfaccettata visione della contemporaneità, grazie a un lavoro di costruzione di veri e propri set cinematografici. In un’atmosfera apocalittica, i luoghi, stigmatizzati da insegne luminose o dalle grandi dimensioni, sono popolati da un’unica protagonista: la bambola dall’inquietante e perenne sorriso. L’ironia dell’artista si concretizza nel disfacimento paradossale di situazioni apparentemente esemplari: ed è infatti dal contrasto tra l’immagine patinata e il suo contenuto che emerge un diffuso scenario grottesco. Lo smantellamento di un’estetica della perfezione avviene attraverso un discorso sottile e acuto. I messaggi veicolati dai neon non sono altro che leggi di un nuovo testamento improntato al culto dell’omologazione e del consumo, mentre crepe concettuali si manifestano concretamente nella parziale distruzione (realizzata con interventi di post-produzione 3D) di simboli globalizzanti. Presutti, prendendo spunto da ambientazioni fantascientifiche e iperrealiste, opera una meditazione dal sapore malinconico, e la sua riflessione sul concetto di bellezza, di cui la protagonista del film Hello, Dolly! di Gene Kelly era ambasciatrice, è la tematica sulla quale si sofferma e ci invita a ragionare. Il pensiero nostalgico, che pervade gli scatti, valuta indispensabile il bisogno di incompiutezza e di sentimenti per scardinare un sistema spesso sterile, asettico e alienante. La grazia dell’imperfetto è per l’autore il motore necessario e imprescindibile alla creazione intesa in senso lato, tanto è vero che il progetto stesso può essere interpretato attraverso due visioni opposte: se da un lato la magra bambola di plastica può rappresentare l’elogio funebre della famosa dolly cinematografica, dall’altro, come il titolo suggerisce attraverso il saluto di benvenuto, ci accorgiamo della sua funzione critica nelle mani di un artista che si rifiuta di nascondersi dietro la maschera di un anonymous.” (Noemi Pittaluga)Continue Reading..

26
Giu

Adalberto Abbate. ITALIENISCHE REISE

Posted by / arte, fotografia

Gartenpavillon im Malkastenpark

ADALBERTO ABBATE
ITALIENISCHE REISE

06.09.15 – 08.23.15

Orari di apertura su appuntamento / 0211-35 64 71

Artista Malkasten

ADALBERTO ABBATE / ITALIENISCHE REISE

BIO
Adalberto Abbate è nato a Palermo nel 1975 dove vive e lavora.
dal 1998 ad oggi ha esposto in diversi centri d’arte contemporanea internazionali come:
Musée historique et des porcelaines de Nyon;
Museo Mart, Rovereto;
Museo Riso d’arte contemporanea, Palermo;
Museum für Kommunikation, Bern
Fondazione Arnaldo Pomodoro, Milano
Ausstellungsraum Klingental, Basel
GAM, Palermo
VAF-Stiftung, Frankfurt
Uno fra tutti il Beaubourg parigino (è del 2012 la Personale “Utopies, des mondes imaginaires vus à la loupe” Centre Pompidou, Paris, 2012.

ORRORE/ERRORE
Da sempre il lavoro di Adalberto Abbate si caratterizza per una forte impronta sociale e antropologica. Punto di partenza è un attento studio dell’orrore/errore quotidiano e dei complessi meccanismi della memoria. Ogni suo progetto è uno studio minuzioso degli eventi storici e dei fenomeni mediatici creando punti di collisione e di discussione del nostro vissuto contemporaneo. I lavori dell’artista siciliano prendono voce e si trasformano in qualcosa di più che una semplice denuncia sociale. Intenzione forte è sicuramente quella di indagare la vita reale, attraverso uno sguardo disincantato e cinico che costringe la realtà, in cui siamo abituati a vivere, a modificarsi e a piegarsi ad altre dinamiche mentali. Da una certa prospettiva, il suo è il risultato di un’indagine antropologica, elaborata sulle evidenze come sugli aspetti meno visibili del sociale. Ciò che appare evidente è l’estremo realismo delle sue opere, specchio degli orrori del nostro contemporaneo, al punto che non è possibile identificarle come finzione, piuttosto come realismo grottesco, un mix tra cinismo e avvilimento. Probabilmente è questo uno degli aspetti che più colpiscono nelle sue diverse ricerche: la consapevolezza di raccogliere e di selezionare, di decontestualizzare per poi ricostruire secondo una nuova gerarchia di significato.
ITALIENISCHE REISE è un racconto sintetico emotivo di un’Italia divorata dalla cattiva politica e soffocata dall’economia. Una raccolta d’immagini di un viaggio cinico e malinconico.

HYPERLINK / www.adalbertoabbate.com

video : http://www.glu3.com/adalberto-abbate-eine-italienische-reise/

Jacobistr. 6a
40211 Düsseldorf

Tel: 0211 35 64 71
Fax: 0211 36 06 78

info@malkasten.org
www.malkasten.org

25
Giu

Wang Luyan

Posted by / arte, pittura

Una serie di nuovi dipinti appositamente realizzata e una scultura. Oggetti comuni sono trasformati in irrazionali e pericolosi per chi li usa, contrariamente alla loro normale funzione.

La Galleria Alessandro Bagnai è lieta di annunciare la prima mostra personale in Italia dell’artista cinese Wang Luyan (Pechino, Cina, 1956).

La mostra consiste in una serie di nuovi dipinti appositamente realizzata dall’artista e da una pistola in acciaio inox di grandi dimensioni.

Nelle opere di Wang Luyan, oggetti utilitaristici e comuni vengono trasformati in irrazionali e pericolosi per chi li usa. Essi funzionano infatti al contrario rispetto alla loro normale funzione. Uno dei principali significati all’interno dell’opera di Wang Luyan è il trattamento allegorico dell’autodistruzione: l’oggetto è costruito in maniera ambivalente, cosicché l’azione diventa superflua o addirittura pericolosa per la persona che lo utilizza; molte delle sue immagini hanno a che fare con una violenza suicida e reciproca, l’omicidio implica il suicidio.

Sulla tela Wang Luyan dipinge i suoi temi con molta nitidezza: non vi è una vera gestualità, i suoi quadri sono caratterizzati da linee e disegni “meccanici” che rimandano ai disegni tecnici della industria. L’artista ha la consuetudine di creare enormi facsimili di oggetti e strumenti di uso quotidiano ai quali generalmente non prestiamo molta attenzione; esiste quindi una certa similitudine tra le opere di Wang Luyan e la Pop art, in cui le cose sono celebrate semplicemente per essere quello che sono.

I dipinti con le gabbie presentano la seguente relazione logica: aprire necessita chiudere. Quindi, più apriamo e più chiudiamo. Questo ci porta a riflettere sulla complicata e contraddittoria costellazione delle relazioni di causa ed effetto.Continue Reading..

24
Giu

Mario Cresci. Prendersi il tempo

Posted by / arte, fotografia

In occasione del Ragusa Foto Festival∗ 2015 Mario Cresci ha deciso di proporre una mostra inedita pensando a una selezione di immagini “proveniente dal mio immaginario di un Mezzogiorno italiano in cui ho vissuto per molti anni e che oggi rivedo, dal 2004 ad oggi, nei miei viaggi lontani dal lavoro professionale. E’ come scrivere un lungo racconto a puntate senza avere in mente una precisa traccia da seguire ma è anche un modo di fare fotografia simile a quella dei primi viaggiatori che nei secoli scorsi scendevano dal Nord Europa con i loro taccuini e album da disegno per acquarello”.

L’autore con il Sud ha stabilito un rapporto profondo andando a vivere e a lavorare a Matera alla fine degli anni Sessanta e avendo fatto parte nel 1984 dello storico progetto “Viaggio in Italia” in cui i territori del Meridione erano osservati e intesi per la prima volta come un territorio magico fonte di emozioni e di storie antiche. Qui però propone le immagini che da dieci anni fra settembre e ottobre in Calabria e Sicilia alla ricerca di luoghi, cose e persone che non conosce o desidera rivedere “dando all’atto del fotografare il senso ludico di fermare quegli attimi del visivo che coincide con il mio desiderio di astrazione che spesso deriva da forti identità territoriali.

La scoperta di nuovi percorsi reali ed emotivi lo ha condotto anche a riconsiderare il termine “territorio magico” riconducendolo alla scrittura di un grande autore siciliano come Vincenzo Consolo.

Nelle immagini che qui ci propone, l’uso del colore ha un significato preciso perché per un verso indica “il segno di un cambiamento sociale e territoriale che è in atto da alcuni decenni con l’avvento di nuove tecnologie” e per l’altro serve a vedere il Sud d’Italia “senza aver timore delle sue luci e dei suoi colori intesi come elementi di significazione delle mie immagini”. Ne risulta una sorta di diario capace di possedere nella stessa misura una dimensione intima privata e un orizzonte concettuale in cui tutti, forse, possono riconoscersi perché questo è ed è sempre stata la forza straordinaria di cui la fotografia è capace.

info@ragusafotofestival.it
press@ragusafotofestival.it

Mario Cresci. Prendersi del tempo
Palazzo Cosentini, Ibla, Sicilia
dal 26 giugno al 26 luglio 2015Continue Reading..

24
Giu

Mona Hatoum

Posted by / arte, installazione

The exhibition provides audiences with a journey through her output based on formal and sensitive affinities between the works. In this way, the performances of the Eighties, whether documented in photos, drawings or videos, are seen in relation to installations, sculptures, drawings, photographs and objects dating

Curated by: Christine Van Assche

In a world driven by contradictions, geopolitical tensions and diversified aesthetics, Mona Hatoum offers us an output that achieves unrivalled universality ? a body of work that has become a “model” for numerous contemporary artists. The Palestinian-born British artist is one of the key representatives of the international contemporary scene. Her work stands out for the relevance of its discourse, the perfect match between the forms and materials used, the multidisciplinary aspect of her work and her original, committed reinterpretation of contemporary art movements (performance, kineticism and minimalism).

After staging the first museum exhibition dedicated to Mona Hatoum’s work twenty years ago, the Centre Pompidou is now devoting its first major monograph exhibition to her, featuring a hundred-odd pieces, and covering the multidisciplinary aspect of her work from 1977 to 2015. Without any chronological order, similar to a “map” of her career path, the exhibition provides audiences with a journey through her output based on formal and sensitive affinities between the works. In this way, the performances of the Eighties, whether documented in photos, drawings or videos, are seen in relation to installations, sculptures, drawings, photographs and objects dating from the late Eighties to the present day.

Mona Hatoum, born in the Lebanon in 1952 to parents of Palestinian origin, left that country in 1975 for a short stay in London just when war broke out in her homeland. She remained in the British capital, and began to study art. Her work falls into two main periods. During the 1980s, she explored the realm of performance and video. Her work at that time was narrative, and focused on social and political questions. From the 1990s onwards, her output has involved more “permanent” works ? installations, sculptures and drawings. Now situating herself as part of the avant-garde, Mona Hatoum explores installations influenced by kineticism and phenomenological theories, and other installations that can be defined as post-minimalist, using materials found in the industrial world (grids and barbed wire), or in her own environment (hair). Some of these installations and sculptures, most of which have a political dimension, are imbued with feminism. Around her gravitate somewhat Surrealist objects, works on paper produced with unusual everyday materials or photographs taken during trips, which have a link with other works in the exhibition. We talk to the artist. Continue Reading..

24
Giu

ANIMAE LUX. Tina Sgrò

Posted by / arte, pittura

ANIMAE LUX

OPERE di Tina Sgrò

A cura di Gabriella Damiani

GALLERIA ORIZZONTI ARTE CONTEMPORANEA

SPAZIO PURGATORIO
Via Alfonso Giovine
Centro Storico
Ostuni

1 – 15 LUGLIO 2015

VERNISSAGE MERCOLEDI’ 1 LUGLIO 2015
ORE 19:30

Dopo diversi successi seguiti alla Targa d’Oro del Premio Arte Mondadori e dopo tanta strada percorsa nell’ambiente dell’arte contemporanea, l’artista calabrese Tina Sgrò torna ad esporre le sue opere presso la Galleria Orizzonti Arte Contemporanea di Ostuni che con la sua mostra “Animae Lux” inaugura quest’anno nuovamente lo Spazio Purgatorio.

Animae Lux è una mostra rappresentativa di tutto il lungo lavoro maturato in questi anni dell’artista; più di 15 opere di vari formati che portano prepotentemente l’attenzione del fruitore sulla forza della luce, sui suoi bagliori accecanti, sui chiari e oscuri ottenuti con un fare sapiente del pennello veloce; la luce che svela segreti e angoli bui, che regala un’anima a quel passato dolente, intriso di sentimenti ed emozioni.
La Luce, da sempre, protagonista assoluta delle opere di Tina Sgrò.Continue Reading..

24
Giu

METROPOLIS. Franco Fontana e Franco Donaggio

Posted by / arte, fotografia

FRANCO FONTANA e FRANCO DONAGGIO
M E T R O P O L I S
MOSTRA FOTOGRAFICA
a cura di Sandra Benvenuti

inaugurazione sabato 20 giugno 2015 ore 19.00
in mostra dal 21 giugno al 30 agosto 2015

Metropolis è l’abbattimento dei confini, la dilatazione del pensiero, l’imponente gioco della visione.
Con la profonda consapevolezza che la città è molto più di come appare, Fontana e Donaggio indagano nei mille volti che la compongono svelandone quelli segreti. Seguendo il loro naturale desiderio di evasione, i due artisti ci conducono lungo un sentiero di libertà creativa, alla ricerca di nuovi linguaggi e profondità.
Definire Franco Fontana e Franco Donaggio due fotografi è certamente riduttivo. Potremmo piuttosto pensarli come ricercatori, o poeti, in perenne viaggio verso l’ignoto nella costante ricerca di scoperta. Entrambi amano ridefinire l’essenza nascosta delle cose e Metropolis ne è l’esempio.
La composizione rigorosa, il colore pulito e preciso, come fosse inciso nella materia, Franco Fontana con il suo sguardo attento e curioso, focalizza l’attenzione su un microcosmo urbano, esaltandone il più piccolo dettaglio, e ci trasporta in un immaginario ideale dalle atmosfere rarefatte. Con elegante naturalezza, l’autore modifica il senso del tutto, catturandone l’anima; svela l’intima natura della materia che diviene custode di vita dove piccoli punti di colore trovano riparo, la segnaletica stradale un universo intriso di vite vissute, un tombino vigile ci indica la via. Franco Fontana con raffinata maestria libera le cose dalla loro ovvia funzione estetica per rivelare l’inatteso…

Se Fontana ci attrae con il particolare, Franco Donaggio dilatata la visione, libera lo spirito e spinge il limite verso un’apertura ampia, totale. La città è stretta per Donaggio e ne smantella i confini, con impeto creativo li oltrepassa, osserva un macrocosmo metropolitano popolato da cose e persone che fluttuano nel suo immaginifico palcoscenico. L’artista vede il precario equilibrio dell’uomo, ne avverte fragilità, paura, solitudine, e con onirica visione lo accompagna verso un mondo senza tempo per liberare i sogni al vento, dove il rumore si fa sussurro fino a divenire verbo….

Fontana e Donaggio, due artisti di fama internazionale e di diversa provenienza piegano la fotografia per costruire un mondo nuovo ricco di fascino e armonia. Due autori qui uniti nel confronto provocano emozioni che trovano un loro tempo di scoperta oltre il momento della visione, suscitando trascendenti sensazioni.
Sorge ora naturale la domanda… non è forse questo lo scopo dell’arte?

In mostra 30 fotografie a colori in grande e medio formato
Courtesy: Sabrina Raffaghello arte contemporanea, Milano – AmsterdamContinue Reading..

22
Giu

Giovanni Albanese. Tartarughe felici

Posted by / arte, installazione

L’istallazione, molto articolata e di grande impatto visivo, prevede la possibilità di pedalare per accendere le lampadine del cuore, un’eventuale alternativa alla corrente elettrica.
La galleria PIOMONTI arte contemporanea è lieta di presentare la mostra “Tartarughe felici” di Giovanni Albanese, inaugurando il 22 giugno 2015, giorno del 60° compleanno dell’artista.

Nato dal desiderio di sviluppare un progetto specificatamente legato allo spazio espositivo, il lavoro si pone in dialogo con la piazza antistante la galleria e in particolare con la famosa Fontana delle tartarughe.

Giovanni Albanese invade lo spazio con la luce caratteristica della sua ricerca che, per l’occasione, segna il lento passo di ventidue tartarughe. Accanto a queste, un grande “Mezzocuore a dinamo” e una bicicletta. L’istallazione, molto articolata e di grande impatto visivo, prevede la possibilità di pedalare proprio per accendere le lampadine del cuore, un’eventuale alternativa alla corrente elettrica che consente un contatto diretto col pubblico che, così, diventa parte integrante del lavoro.

Nel suo scritto in catalogo, Gianluca Marziani afferma: “Giovanni Albanese modula la luce con ancestrale magia, in bilico tra la memoria genetica dell’immagine (la luce come origine della fotografia e poi del cinema)e l’uso pittorico del segno luminoso. Le sue perimetrazioni a basso voltaggio disegnano le forme di un immaginario poetico che cuce il reale al fantastico, dando alla scultura le giuste ibridazioni tra uso e riuso”.

Inaugurazione: 22 giugno ore 18

Galleria Pio Monti
piazza Mattei, 18 Roma
Lun: dalle 15 alle 20 / dal Mart. al Sab. dalle 11 alle 20
ingresso libero

GIOVANNI ALBANESE
dal 22 giugno al 31 luglio 2015
lun 15/20, mar-sab 11-20
06 68210744

 

22
Giu

Exposed Project. Mostra – laboratorio sulle trasformazioni della città

Posted by / arte, fotografia

Exposed Project. Mostra-laboratorio sulle trasformazioni della città

dal 25 giugno al 20 settembre 2015
c/o Forma Meravigli, Via Meravigli 5, Milano

(English version below)

Inaugurazione 24 giugno h 18.30

Dal 25 giugno al 20 settembre 2015, Forma Meravigli ospiterà sei progetti realizzati da Exposed Project e un fitto programma di oltre quindici tra incontri, eventi esterni, presentazioni e dibattiti che confermano la vocazione al dialogo e alla ricerca del nuovo spazio di via Meravigli.

L’allestimento si articolerà in una sorta di laboratorio permanente, aperto a diverse discipline e animato anche dal pubblico che sarà chiamato a interagire e a condividere la propria esperienza attraverso laboratori e performance.

Forma Meravigli è un’iniziativa di Fondazione Forma per la Fotografia in collaborazione con la Camera di Commercio di Milano e Contrasto.

Il progetto è realizzato in collaborazione con Careof nell’ambito di FDV Residency Program, che dal 2013 ha supportato lo sviluppo del laboratorio di ricerca e condiviso la progettualità attraverso talk, laboratori, progetti espositivi.

Per maggiori informazioni:

www.exposedproject.net
www.formafoto.it

info@exposedproject.net

——Continue Reading..

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