Category: arte

21
Set

Anish Kapoor. My Red homeland

The exhibition includes 3 major sculptures from integral though distinct bodies of work in the artist’s sculptural language: voids; mirrors and the auto-generated. Rendered in pigment, steel and wax, the works epitomise Kapoor’s manipulation of matter to create a landscape and geology that is both other and sublime.

The Jewish Museum and Tolerance Center, supported by Lisson Gallery, London, will present the first solo exhibition of works by Anish Kapoor in Russia, opening on 21 September 2015 to coincide with the Moscow Biennale.

Anish Kapoor is one of the most influential artists in the world, who has changed the perception of contemporary sculpture. Born in Bombay, India, Kapoor has lived and worked in London since the 1970s. In 1990 he represented Great Britain at the Venice Biennale where he was awarded the Premio Duemila and in 1991 he won the prestigious Turner Prize. In 2009, Anish Kapoor was the first contemporary artist to have an exhibition at the Royal Academy of Arts, London.

«I am interested in sculpture that manipulates the viewer into a specific relation with both space and time. Time, on two levels; one narratively and cinematically as a matter of the passage through the work, and the other as a literal elongation of the moment. This has to do with form and colour and the propensity of colour to induce reverie. Consequently, I hope, an elongation of time. Space is as complex, the space contained in an object must be bigger than the object which contains it. My aim is to separate the object from its object-hood.» © Anish KapoorContinue Reading..

21
Set

Stefano Cerio. Chinese Fun

Le stanze dell’ex vetreria di Trastevere ospitano Chinese Fun, un progetto che Stefano Cerio (Roma, 1962) ha realizzato in Cina nel 2013, scegliendo di raccontare il Paese attraverso luoghi di divertimento di massa colti nell’attimo in cui non c’è traccia della figura umana. Spazi defunzionalizzati, nati per accogliere migliaia di persone, appaiono svuotati di senso e ritratti nella loro essenza surreale. Attraverso l’uso del banco ottico, poi, Stefano Cerio si riappropria di una lentezza ormai perduta, lontana dall’idea usuale che si ha dei parchi di divertimenti, aggiungendo un ulteriore elemento straniante.

Quello di Cerio è uno sguardo sulla modernità, trattata come natura morta, in cui le costruzioni fuori misura, coloratissime e rese ancora più imponenti dalla frontalità del punto di vista, diventano emblema del vuoto che caratterizza il presente.
La mostra si arricchisce di un ulteriore elemento grazie alla presenza di un video che offre una nuova visuale sulla realtà quotidiana della metropoli contemporanea.

Fondazione Volume
Via di San Francesco di Sales 86/88, 00165 Roma

Dal 24 settembre al 21 ottobre 2015 – prorogata fino al 4 novembre 2015
Inaugurazione: mercoledì 23 settembre 2015, ore 19:00

 

 

20
Set

Frances Richardson. Loss of object and bondage to it; Fig. 2

In this work, the artist constructed MDF supports to hold what appeared to be a draped fabric form. However, on closer inspection, the drape was found to be made of concrete canvas, a flexible concrete impregnated fabric that hardens on hydration to form a thin, concrete layer.

The third public sculpture commission for ‘Sculpture at Bermondsey Square’. ‘Loss of object and bondage to it; Fig. 2‘ is a sculpture by London-based artist Frances Richardson, whose proposal was selected from applications to VITRINE’s open call. Richardson’s sculptural practice is an inquiry into the relationship between embodied cognition of architecture and human agency.

‘Loss of object and bondage to it; Fig. 2’ is a development of the work ‘Loss of object and bondage to it’ made during a studio residency at Lubomirov-Easton in Deptford, London in January 2014. In this work, Richardson constructed MDF supports to hold what appeared to be a draped fabric form. However, on closer inspection, the drape was found to be made of concrete canvas, a flexible concrete impregnated fabric that hardens on hydration to form a thin, concrete layer. What appeared to be a relationship between a hard frame holding a soft drape was in fact a mutually-supportive relationship, with the draped forms providing strength and balance to the overall structure.

Richardson’s commission for Bermondsey Square is also made with concrete canvas, but this time it is paired with perspex, a material that has a semblance with glass and a resonance with the architecture of the site. Richardson creates structures reminiscent of remnants, suggesting a loss or absence of the original object. As with her previous work, she explores the feeling of melancholy present when a space is activated yet dormant.Continue Reading..

20
Set

Alicja Kwade. Monologue from the 11th floor

For more than a decade the artist Alicja Kwade (b. 1979, Katowice/Poland) has probed questions of astrophysics and philosophy in her sculptural work. Employing simple means, she seeks to uncover several layers of reality: two branches stand in a corner. Various precious metals are stacked on the floor, like statistics blocks. Boulders and rocks flood into the exhibition space.

But can nature produce two identical branches? Is the metal’s value today the same as it was yesterday? Kwade does not intend to deceive the viewer. Rather, she wants to reveal the illusions to which he is constantly subjected. How could something be certain and predictable in a universe which is dynamic and changeable down to its tiniest particle? And yet our current economic system rests on the promise of absolute certainty.

Advertising and media cannot know the future. Instead they create phoney certitudes, subtly exploiting people’s fears for the future for their own gain. Dealing with these topics by artistic means, Alicja Kwade illuminates, by way of analogies, current consumerist thinking and present-day mental frailties.

A catalogue in German and English featuring an introduction by Katja Blomberg will be published with Verlag der Buchhandlung Walther König.

Image: Alicja Kwade, Theoretisches Gebilde I, 2015, copper, stones, 2015, 56 x 71 2/3 x 53 1/2 in, unique, photo: Roman März, The ekard collection, courtesy Alicja Kwade and KÖNIG GALERIE

Press Contact:
Laura Groschopp, presse@hausamwaldsee.de

Opening: Sat 19 September 2015

Haus am Waldsee
Argentinische Allee 30, Berlin
Tue – Sun 11am to 6pm

ALICJA KWADE
from 9 September 2015 to 22 November 2015

19
Set

Marisa Albanese. Doble Cel

Marisa Albanese | Doble Cel | 19 settembre – Casal Solleric, Palma de Mallorca / September 17, 2015

Ma come in vista della città arriveremo – un muro la cinge,
alto, e bello ai lati della città s’apre un porto,
ma stretta è l’entrata […].
(Odissea, VI, 262-264)

In occasione della Nit de l’Art 2015, la Fundació Palma Espai d’Art inaugurerà il progetto site specific Doble cel, di Marisa Albanese.

Doppio cielo è una riflessione muta, intima, su di un tema che da decenni occupa le nostre cronache. L’immagine è quella di un albero speculare, che trasforma le proprie radici in rami e occupa lo spazio orizzontalmente, e se la fronda evoca la volta celeste, la doppia fronda evoca due cieli che fronteggiandosi lasciano pensare a popoli che guardano cieli simili ma divisi.

Le fronde dell’albero sono le linee della vita che si stagliano nel cielo sotto il quale la sorte ci ha destinato vivere; un albero con una doppia fronda si fa cos simbolo del doppio cielo abitato da esistenze costrette a farsi nomadi. Sull’albero di alluminio vengono proiettate parole che si muovono come fossero la linfa vitale di questi rami, i flussi luminosi di culture che si spostano e si incontrano nel fluire del mare nostrum. Le parole sono parole antiche, brani tratti da uno dei testi fondanti la cultura europea e la visione del mediterraneo come sorgente originaria di scambi e di creazione, di miti e di leggende, l’Odissea di Omero.

Si fronteggiano due mondi in un essere avversi tra cieli che si sentono diversi e così l’accoglienza diviene distanza, separazione, incomprensione. L’orizzonte si spezza, e la specularità è solo apparente. Doble cielo parla dello spostarsi dei migranti sulla terra, ma anche del loro trovarsi divisi da una linea di separazione, da un diaframma netto, ma invisibile che separa le due parti dell’albero; cielo contro cielo.Continue Reading..

18
Set

CAMBIA_MENTI. Fotografie del collettivo Cesura

QUATTRO STORIE CONTEMPORANEE

Fotografie del collettivo Cesura

a cura di Roberta Valtorta e Diletta Zannelli

inaugurazione: sabato 19 settembre ore 17

20 settembre – 31 gennaio 2016
da mercoledì a venerdì ore 15-19
sabato e domenica ore 11-19

ingresso libero

Museo di Fotografia Contemporanea Villa Ghirlanda, Via Frova 10 Cinisello Balsamo – Milano

Il Museo di Fotografia Contemporanea presenta una mostra dedicata al tema diversità/inclusione attraverso quattro ricerche del collettivo di fotografi indipendenti Cesura.

L’iniziativa è organizzata in collaborazione con RS Components, un’azienda che ha fatto della responsabilità sociale d’impresa un tratto distintivo della propria identità.

Le quattro storie raccontate da Arianna Arcara, Gabriele Micalizzi, Alessandro Sala, Luca Santese, del collettivo Cesura, sono profondamente attuali, toccano problemi importanti della nostra complessa società contemporanea, affrontano il tema delicato della capacità di cambiare se stessi e il mondo che ci circonda attraverso scelte precise e comportamenti improntati alla civiltà e al rispetto degli altri.

Nella mostra al Museo di Fotografia Contemporanea i quattro lavori sono installati nella sala espositiva principale. Nella sala più piccola, invece, una presentazione dell’intero progetto e materiali informativi su RS Components e sui progetti che il Museo da anni porta avanti con l’azienda.Continue Reading..

17
Set

Broomberg & Chanarin: Rudiments

Broomberg & Chanarin: Rudiments
25 September – 31 October 2015

Broomberg & Chanarin’s debut solo exhibition at Lisson Gallery consists of new photographic, moving image and performative works that collectively explore tensions between discipline and chance, precision and chaos, empathy and the involuntary pleasure of watching the pain of others. Central to the show is a new film work, Rudiments (2015) in which the artists have collaborated with a group of young army cadets at a military camp on the outskirts of Liverpool. Whether Broomberg & Chanarin have staged the scenes we observe or have simply documented the camp’s routine practice remains unclear. The young soldiers-in-training are seen marching, drumming and obeying instructions – enacting a collective, authoritarian form of obedience – with varying degrees of success.

The absurd and disturbing introduction of a ‘bouffon’ – a dark clown whose performance teeters on vulgarity – radically challenges the martial codes supposedly being taught and interrupts their carefully choreographed routines. The children also learn how to pratfall, ‘play dead’ or deliver convincing blows to one another, performing comic actions that are seemingly at odds with the hierarchical structures of the army. Broomberg & Chanarin’s film explores the experience of empathy or the enjoyment of pain in others through formative moments of childhood and innocence of early youth, as well as highlighting the importance of cadets to the armed services and especially the historical role of the drummer boy in battle. The work’s title refers to the 40 rudiments that form the technical foundation of percussive music – including rolls, strokes and paradiddles – while the soundtrack is propelled by a dramatic, improvised score devised for the drums by the American musician Kid Millions (also known as John Colpitts).Continue Reading..

17
Set

Maurizio Nannucci. Top Hundred

Cento opere scelte tra multipli, edizioni, libri e dischi d’artista, video, riviste, documenti ed ephemera di cento protagonisti della scena internazionale dell’arte, provenienti dalla collezione di Zona Archives da lui iniziata nel 1967.

A cura di Andreas Hapkemeyer

Top Hundred è un progetto di Maurizio Nannucci e presenta cento opere scelte tra multipli, edizioni, libri e dischi d’artista, video, riviste, documenti ed ephemera di cento protagonisti della scena internazionale dell’arte dagli anni Sessanta ad oggi, provenienti dalla collezione di Zona Archives da lui iniziata nel 1967.

La mostra si propone come un percorso trasversale, in cui l’aspetto biografico della ricerca di Nannucci e quello storico di alcune pratiche artistiche coincidono. Top Hundred è una riflessione sul concetto di riproducibilità dell’opera d’arte, che, liberatasi dall’aura dell’unicità e dell’irripetibilità, si apre a una circolazione più ampia e democratica. Sono così documentate varie esperienze e tendenze, dalla poesia concreta a fluxus, dall’arte concettuale alle ricerche sperimentali e multimediali fino ai recenti orientamenti artistici degli anni duemila.

Top Hundred diviene così una guida attraverso l’arte degli ultimi cinquant’anni, da cui emerge la ricchezza e la forza innovativa dei molteplici linguaggi che l’hanno caratterizzata. Per la presentazione degli oltre cento multipli, libri e dischi d’artista negli spazi della collezione studio di Museion, Nannucci ha creato un ambiente inedito, in cui sono integrate alcune installazioni site-specific di neon, suono e video di altri artisti.

Top Hundred è in collaborazione con il Museo Marino Marini di Firenze, che la ospiterà ad inizio 2016. Per l’occasione viene pubblicato un catalogo con testi di Andreas Hapkemeyer, Maurizio Nannucci, Letizia Ragaglia, Alberto Salvadori.Continue Reading..

14
Set

Todd Hido. Selections From A Survey: ‘Khrystyna’s world’

Comprises 37 works, both seen and unseen, ranging from intimate shots to prepossessing large-scale images.

Something is going to happen. We can feel it. A car pulling up. An argument overheard. The shattering of glass. Or maybe it already happened: a crumpled bed, a lamp left on, a door slammed shut.

In his celebrated shots of American suburbia, photographer Todd Hido excels in capturing a sense of the disturbed moment. Whether in his eerie exteriors of isolated houses at night, where the only source of life emanates on to the street from a single lit room, or his carefully framed interior shots of freshly tousled sheets of a single bed, or the numbing glare of an old TV set, and even in his disturbing yet evocative images of female models, a confusing yet very real range of female identities lifted from his past — we feel a sense of unease: some allow vulnerability and others exhibit empowerment.

These powerful cinematic images have a rich cultural impact, recalling the legacy of filmmakers such as Alfred Hitchcock and David Lynch, novelists Raymond Carver and Stephen King.

For the first time in the Benelux, Hido will exhibit a selection of his extraordinary body of work in a solo exhibition, Selections From A Survey: Krystyna’s World, at the Reflex Gallery, Amsterdam, from September 12 to November 15. A new group of works unique from this show will be presented at Unseen Photography Art Fair in Amsterdam running from September 18th-20th.

This exhibition invites viewers to dwell on the images and ideas that have followed the artist through his lifetime, continually finding new manifestations in his work. This selection focuses on alternatives, b-sides, brand new works, and unseen one-of-a-kind collages that Hido only recently added to his oeuvre in 2015 — not to mention a few unseen pieces to be included in his mid-career survey to be published by Aperture in Spring 2016. Reflected are Hido’s classic nocturnal themes and populated primarily with photographs of his model Khrystyna — a tacit partner in his cinematic narratives, and a shape shifter in the nightscapes, interiors, and psychological landscapes that she haunts.Continue Reading..

11
Set

Paolo Gioli. Opere alchemiche

Apre al pubblico il 24 settembre alla Galleria del Cembalo, e proseguirà fino al 14 novembre, una grande mostra sul lavoro di Paolo Gioli

Le immagini di un esploratore della visione tra fotografia, cinema e pittura

“Quello che mi interessa enormemente è la formidabile capacità che la materia fotosensibile ha nel manomettere e immaginare, quasi sempre drammaticamente, ogni cosa tocchi”.
È qui, nell’incontro formidabile tra luce e materia, che ha luogo l’azione fotografica e artistica di Paolo Gioli, cui la Galleria del Cembalo dedica Opere alchemiche, la grande mostra che apre al pubblico il 24 settembre e fino al 14 novembre porterà in quattro delle sue sale oltre ottanta immagini.
Esploratore della visione, Gioli è approdato alla fotografia, e al cinema, dopo essere passato, sin da giovanissimo, per l’esperienza della pittura, individuando in ciascuno dei territori attraversati un percorso estraneo a ogni schematica catalogazione. L’esposizione proposta dalla Galleria del Cembalo dà pieno conto di un’arte che tocca fotografia, cinema e pittura, e si propone come prima mostra a Roma – almeno dai tempi di quella organizzata al Palazzo delle Esposizioni nel 1996 – che significativamente rappresenta la coniugazione di tre universi visivi.
I disegni degli anni Sessanta, i quadri dei Settanta, così come i film, confrontandosi in mostra con esemplari di serie fotografiche – Sconosciuti, Toraci, Vessazioni, Luminescenti, Volti attraverso – trattano la fisicità della figura umana proponendo di volta in volta visioni pop, dadaiste, espressioniste, surrealiste, neoclassiche, barocche e rinascimentali, sempre mantenendo una straordinaria coerenza di approccio ed elaborazione. La categoria della ricerca incontra spesso, nell’opera di Gioli, quella dell’invenzione: ne è frutto una fotografia non intesa come copia del reale, in cui un’attitudine tecnica divenuta sapienza conduce – come ha scritto Giuliano Sergio – a “un’essenzialità che è diventata disciplina mentale ed estetica per cercare l’origine della fotografia e ottenere risultati altrimenti inimmaginabili”.Continue Reading..